Un preludio del boom informatico en un mar de LSD

Serial Experiments Lain - Ryutaro Nakamura (1998)

Hoy no debería sorprender, pero hace un poco más de 10 años, hablar de las nuevas tecnologías (hablo específicamente de Internet y todo lo que conllevaba) como portales a universos distantes o como herramientas que sirvan de entrada a un mundo mejor, sonaba irreal. Bueno, no era el caso de la genial mente de Ryutaro Nakamura que decidió dirigir una de las más interesantes mini series animadas de los últimos años dentro de la animación japonesa. Aunque estamos de acuerdo que la ficción de Nakamura es un tanto exagerada, sin dudas fue una interesante visión dentro de los parámetros de la llamada cultura ciber Punk, y porque no, llevando todo a los limites de lo existencialista y lo filosófico en base a el boom tecnologico de finales de los noventas.
La historia transcurre en el universo de una joven de 14 años llamada Iwakura, una niña de secundaria que lleva una vida un tanto normal aunque un tanto alejada de los furiosos avances tecnológicos del momento. Todo esto pasa hasta el suicidio de una de sus compañeras. Se encuentra ante un universo donde la realidad es confundida con el mundo virtual y he ahí donde el espectador no sabe donde pararse. Sumémosle momentos de pura lisérgia donde acentúan colores fosforescentes y juegos de imágenes al borde de lo insano. No esta decir, que los trece capítulos buscan en su conjunto profundizar ese mundo que emergía, dentro de la Internet, y darle un cuestionamiento entre lo filosófico, lo dogmático y lo existencial, sin necesidad por suerte de recurrir a cualquier exceso que tal vez arruine el aura reflexiva de la serie. Desde ya, la reflexión busca ser algo más por suerte de "el mal tecnológico" y todo parece virar al mal del "exceso tecnológico” por lo que al espectador se lo deja con más preguntas que respuestas en la mayoría de los casos.
Pero en fin, después de unos cuantos años, Ryutaro Nakamura se erigió con una obra excelsa y en muchos de los casos bastante interesantes para el gusto de aquellos que buscamos algo que reviva aquella profundidad que generaban Neon Genesis Evangelion o Cowboy Bebop y no quedarnos con simples nostalgias.

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Datos serie

Sensiblemente machistas o machistamente sensibles

Snapcase - Progression Through Unlearning (1997)

La música siempre a lo largo de su historia a tomado muchas veces rumbos misteriosos, ya se por simple inercia o más bien por un sentido natural de evolucionar, o quebrar aquel molesto halo de repetición que no solo se ve en si mismo, sino también en lo que lo rodea. Esto tal vez se aplique a Snapcase y su segundo disco Progression Through Unlearning de 1997. En un entorno, donde el hardcore se estaba sujetando a la idea de un mensaje bastante machista y prepotente (a no decir superfluo), y que la formula básica era repetir todo lo que bandas como Madball, Cro Mags o Earth crisis proponían por esos días, pudo haber irritado a algunos que veían al genero como algo más que música con mensaje y sentido de comunidad, como en parte generaba la escena Hardcore punk en los 90s. Pero volviendo a los que nos ocupan, Snapcase decidieron ir en contra de la corriente, sacando a relucir un disco de canciones imaginativas, sin sacrificar energía. Para esto, se valió de la influencia de bandas que por principios de aquella lejana década veian que la música Hardcore punk podía ser compleja y por ende, romper ciertos parámetros. Hablamos de grupos como Fugazi del genial ex líder de Minor Threat, y porque no, de los efervescentes At The Drive In, la banda que conformaron los hoy bastante reconocidos miembros de aquel colectivo Progresivo-Punk-Afro-Sicodélico (si quieren un termino más aproximado) llamado Mars Volta.
Tomando esto como punto de partida, nos encontramos, que el comienzo con Caboose, nos arremete con ciertos modismos del genero, pero agreguémosle cierta sensibilidad melódica y una suerte de riffs semi disonantes que nos estampan contra la pared.
Por otro lado, la voz de Daryl Taberski se acopla al estilo impuesto en este disco, gracias a su contraste menos gritado y más melódico, sin acercarse a los modismos machistas de las bandas neoyorkinas.
Ya para temas como Harrisson Bergeron las guitarras expiden fuego y la batería juega con arreglos interesantes haciendo fuerzas de ese contraste entre riffs pesados y otros más disonantes, que no opacan aquel clima denso que proponen las canciones. Y ni hablar en temas como el genial Zombie Prescription, con ese comienzo con ese riff disonante cabecero que nos arremete a un comienzo bastante entrador. La agresión contenida de She Suffocates o Vent y aquel emocionante final con Breaking and reaching con esa electrizante descarga más a medio tiempo de esta suerte de Post hardcore que tanto nos enseñaron a los largo del disco.
No esta decir que gracias a este disco, Snapcase se volvió la banda más exitosa de su sello (victory Records) y logro salir de gira con bandas de la talla de Deftones. Lamentablemente, después de una serie de discos, la banda no pudo mantenerse mucho más y se separo finalmente en el 2005.
Progression Through Unlearning es un testimonio vivo que al Hardcore se le puede esperar una progresión. Por otro lado, y como siempre digo “a la música se la escucha por las orejas y no por los ojos”, caso que no hace excepción a este disco. Así que ya espero que entiendan que espero de ustedes.

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Info disco

El matrimonio entre el infierno y el purgatorio

Irreversible (2002)



Irreversible es aquel transito común que impulsa a la humanidad. Irreversible es aquel sueño de libertad y esperanza que sigue en velo. Irreversible es lo contradictorio y aquel miedo a los tabúes. Irreversible es ese infierno urbano de lo cotidiano. Para que negarlo, Gaspar Noé es un personaje que vive ese mundo irreversible y se ríe de el. No necesita de acoplarse para recibir elogios y no necesita sumas millonarias para vender un discurso profundo e interesante. El problema, claro, es que sus películas poseen un contenido a decir, crudo, siempre tomando elementos y temáticas de una forma bastante chocante, en pos de dar un mensaje bastante interesante. Y claro, si vieron su primer corto Carne, sabrán de lo que digo. Gaspar Noé cree en la violencia explicita como anclaje, a la par de temáticas bastante perturbadoras, y incluso tomas de cámara que terminan haciendo aún más angustiante dicho clima.
Y irreversible, su obra del 2002 y tal vez su film más celebrado, podría ponerse dentro de todos aquellos puntos antes citados y un poco más.
Porque aquel comienzo nos deja en una estela de confusión y caos donde esos dos muchachos viven en una intensa búsqueda por encontrar a un tal Lombriz solitaria, el cual violo a la novia de uno de estos. Pero realmente, uno toma dicho momento, donde la tensión toma protagonismo como un foco importante que quiere generar la película entre las perspectivas de los personajes y la forma de relatar la historia de una forma tan particular que posee el director. Ya para más adelante, se esclarece mucho más las cosas, la cámara toma un flujo mucho más normal y los sucesos se vuelven muchísimo más perturbadores, con escenas que llegaron a escandalizar a más de uno (no acostumbrado a cierto tipo de cine más extremo a de decir).
Pero ciertamente hay que entender una cosa, dicho orden y secuencialidad entre los primeros minutos y más por la mitad de la película nos dan entender un estado casi surrealista, a no decir soñador, que Noe quiere que pensemos. No se trata de la manipulación y el juego que utiliza tan suspicazmente el gran David Lynch, ni mucho menos algún intento de tensión en pos de shockear deliberadamente al espectador. Aquel alud de imágenes llega para poder prepararnos para los sucesos a continuación y tal vez sea un gran don de Irreversible, el clima va escalando hasta un pico donde lo que aparenta por momentos ser inocente no lo es tanto. Pero oigan, retratar la realidad es eso, mostrar temáticas perturbadoras como algo naturales, como parte de lo más humano. Y Gaspar Noé sin duda es un embajador del cine como debe ser, sin importar tabúes ni concesiones. Pero todo cinéfilo como yo, debería entenderlo.


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Datos pelicula

Cuando la pistas de baile eran para algo más

Depeche Mode – Personal Fest 18/10/09


Hablar de mega instituciones que hayan sobrevivido al vértice de la música de los 80s son contadas. Y más que dichas hayan apostado a sonidos e ideas radicales y hayan patentado su sonido, generando movidas de gran trascendencia.
El caso de Depeche Mode es bastante particular en este caso. De una banda perfecta para las pistas de baile, hasta su enclave dentro de un sonido más hermético y oscuro repitió parte de los esquemas de la escena Post punk, siempre manteniendo el eje en el bit que los hizo conocidos.
Habían pasado 15 años desde la última visita de la banda de Basildon, y la pregunta era si veríamos de nuevo a aquella banda o una banda gastada por el paso del tiempo. Por su puesto, muchos no tuvimos la oportunidad de verlos en aquel momento y tuvimos que tragarnos un precio sobredimensionado para poder experimentar este momento. Pero en fin, los detalles como ese no tienen trascendencia en este momento.
El comienzo del show nos presento un inicio interesante con temas del disco a presentar “Sounds of a Universe”, un disco en mi opinión un tanto irregular que mantenía parte de la esencia de la banda.
Por suerte, los tres primeros temas fueron entre lo más interesante de la placa y nos dejo aire para la emoción que emana de Walking in my shoes de aquel Songs of faith and devotion, donde la banda caía por un maremoto de narcóticos, pero lograba a ideas acordes con la época. It's No Good de Ultra, donde la banda apelaba mucho más a la oscuridad.
Pero por suerte hubo tiempo para temas de una de sus más celebradas placas Black Celeebration, donde la banda lanzo al aire Question of time, uno de los más celebrados de la noche.
La banda apelaba bastante a las pantallas y cierto juego de imágenes, sin necesidad de abusar del discurso Dark y poniendo algo de glamour (en parte dado por la imagen de Martin Gore, tal vez el líder por naturaleza, si no fuera por la imagen de David Gahan).
Llego Precious, de su aclamado Playing the angel y volvemos al Depeche Mode que todos amamos, con esa fuerza y oscuridad que siempre los caracterizó.
Y porque no, más avalancha de clásicos. La exuberante Fly on the windscreen,la emotiva entrada de Martin Gore al micrófono con la bella sonata Jezabel y Home, con aquel estribillo tan particular que se nos pegaba en nuestras cabezas con ese desliz de cuerdas.
Y por supuesto, para que negarlo. Police The truth, uno de los hits más celebrados de la banda. Caíamos ante los pies ante semejante avalancha de himnos. Pero por suerte, dicha avalancha no se trataba de lo más obvio y si de temas que expedían la sana oscuridad con aquel espíritu candente como en aquellos lejanos ochentas. Por eso temas como In your Room, I feel you, la ultra reconocida Enjoy the silence (alargada para las masas, como no) y la emotiva Never Let Me Down Again (Incluyendo el famoso bamboleo de brazos y el coro más ferviente y apasionado del publico)
Para los bises finales, sacaron a la luz sus mejores armas. De nuevo Marton Gore salía a escena para interpretar Somebody y nos daba un preludio para aquella pompa a la melancolía electrónica llamada Stripped. Y porque no el final con Behind The wheel y el otro importante Hit Personal Jesus.
Muchos, terminado el show no lo entendimos. Una banda con tantos años de carrera, con gente que promedian los 50 y con tal nivel de energía. Uno tal vez esperaba mejores imágenes de aquellas prepotentes pantallas (que jugaban bastante con imágenes tan lejanas a los ya famosos videos de Corbijn ) o una lista de temas que priorizó tal vez en demasía a su etapa desde Black Celebration hasta nuestros días. Pero Depeche Mode hace mucho que dejo aquel lado ultra bailable y con ello nos dejo su huella infranqueable. Si dudas de la grandeza de estos 3 jinetes danzantes, es que no estuviste ahí. Dalo por sabido.




Lista de temas

1. In Chains
2. Wrong
3. Hole to Feed
4. Walking in My Shoes
5. It's No Good
6. A Question of Time
7. Precious
8. Fly on the Windscreen
9. Jezebel
10. Home
11. Miles Away/The Truth Is
12. Policy of Truth
13. In Your Room
14. I Feel You
15. Enjoy the Silence
16. Never Let Me Down Again

17. Somebody
18. Stripped
19. Behind the Wheel
20. Personal Jesus

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Brasileños amigos de la macumba

Sepultura - Beneath the remains (1989)

Los ochentas fueron la década del thrash y no cabe la menor duda. El genero se cultivo durante esos años como el genero extremo por excelencia a la par del Hardcore hasta la irrupción de sus variantes más corrosivas. Pero ciertamente, lejos que sus epicentros se localizaban más que nada en los estados unidos y en Alemania, se cultivó una importante escena alrededor del globo. Y brasil fue un importante embajador del mismo. Y si hablamos de Brasil, hablamos de Sepultura, y como mucho de los Ratos de Porao.
Pero Sepultura fue el primer grupo del continente y que no solo trascendió el atlántico sino que llegó fuertemente al resto del globo. Claro, sus inicios con Morbid Visions y el más elaborado Schizophrenia (disco que los llevo a trascender aún más en el mercado norteamericano) los llevaron a ser una importante influencia en el underground extremo de aquel momento y no hay ninguna duda, pero Beneath The Remains llevo las cosas a un nuevo nivel. La producción a cargo de Scott Burns (un guro del metal extremo por aquel momento) y el trabajo de la banda lograron resultados más notables que las de las entregas anteriores.

Por supuesto, aqui se ubica parte del gen del thrash de bandas como Slayer, solo que la banda de los hermanos Cavalera no necesita ir a todo velocidad y no dar respiro para llegar a su objetivo. Aquí los riffs son los abanderados en este viaje. Y no digo que este disco sea necesariamente un amasijo de riffs para gusto de los huestes del genero, como lo muestra el inicio de Beneath remains donde la brutalidad es precedida por una hermosa introducción acústica o la directa Inner Self a partir del minuto 2:20.
Por su parte la banda muestra un despliegue técnico muy superior, mostrado sobre todo en la versatilidad entre los breaks y riffs de impronta más extrema como el caso de Inner Self y Mass Hypnosis. A veces la banda llega momentos donde se acercan a momentos más melódicos y técnicos que no desentonarían en el material más elaborado de Metallica, como en el riff a 3:20 del mencionado Beneath Remains o en Sarcastic Existence.
Ya para Slaves of Pain la banda baja las revoluciones y muestra que tiene dominio de los medios tiempos con soltura.
Aparece Lobotomy y vuelven a pisar el acelerador, pero ateniéndose a el plan de extremidad controlada.
Pero hay que destacar el final con Primitive future, donde la banda devuelve a la brutalidad de los inicios del disco y nos da su proclama final.
Párrafo aparte para Max Cavalera que con su gruñido semi gutural genera una conexión única con la música.
Los Sepultura ya dominaban al mundo, y tenemos aquí un buen manifiesto de Thrash en plenos años de origen del grind y el death, en tu cara para demostrarlo. Si querías riffs y brutalidad al por mayor, que te aproveche.

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La vuelta más esperada

Un ballet cósmico con un Carl Sagan vestido de negro

Samael – Ceremony of opposites (1994)

Suiza no es un país que se haya especializado en grandes nombres dentro del metal, si exceptuamos claro esta a los legendarios Celtic Frost y a los Thrashers Coroner. Pero dentro de todo, Samael puede tomar un nombre dentro de los referentes importantes de esa movida.
Su sonido primigenio estuvo atado a el genero más brutal y oscuro de principios de los noventas: el Black metal. Sin embargo, luego de dos discos de música salvaje y primitiva donde abundaba la mala producción y los riffs gélidos, nuestros amigos decidieron ir a lo más profundo del cosmos y encontraron que podían trasmitir aquella brutalidad desde los más lejanos rincones del universo. De ahí, salio Ceremony of opposites de 1994, donde la banda, desde la tapa, mantiene parte de su imaginaria satánica/blasfema, pero agrega un condimento espacial en base a teclados semi sinfónicos/espaciales que nos llevan por galaxias distantes. Por su parte, la banda decide bajar igualmente las revoluciones para este disco, acoplando esa suerte de riffs oscuros, sin tanto uso de blast beats, en pos de dejar más espacio para los climas y con una producción diez veces superior a sus anteriores producciones, algo que en el momento de la salida del disco pudo haber sonado chocante para los blackers más radicales que adoraban las paupérrimas producciones de los primeros discos de pilares Noruegos de la talla de Darkthrone o Mayhem.
Temas como Black Trip o Celebration of the Earth nos sumergen en una mundo donde las atmosferas artificiales, las voces rugidas, los oscuros y negrísimos riffs y los interludios espaciales van de la mano, en una suerte de juicio final cósmico.
Pero destaco momentos como el final de Son of Earth, los climas de la demoledora Mask of the red death, aquel comienzo de chelos en Baphomeets thone o la siniestra Flagelation con ese interludio de teclado a partir del minuto 3:08.
Con esto y más, Samael se erige con una obra que nos llevara a un macrocosmos, más cercas de los gélidos fiordos que de la calidez estelar, lejos del Corpse Painting y más cerca de aquel mundo que quiso enseñarnos Stanley Kubrick. Todo lo que pido son oídos dispuestos.

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Datos disco

Aquella hermosa voragine adolescente

American hardcore (2006)




Retratar en palabras lo que fue el movimiento Hardcore Punk, halla a principios de los ochentas es demasiado poco para lo que fue y el impacto que aún persevera hasta el día de hoy. Por suerte unos tales Paul Rachman y Steven Blush, supieron trasladar aquel tan distante y primitivo mundo a nuestros días, con aquellas figuras necesarias para entenderlo. Y por favor, si su primer visión del Hardcore era la de tipos musculosos con tatuajes, poses de malos y bermudas, recomiendo que vean esta joya del cine documental hecho por gente que vivió esos años de esplendor del genero entre 1978 y 1986 y saca la esencia del mismo en su máxima expresión. Y estamos hablando del Hardcore, de Reagan, del anticonformismo, del famoso “Hazlo tu mismo”, del “Straight Edge”, de la violencia de aquellos años, del anticomercialismo, de la independencia, de cambiar al mundo en contra de todos los males de el sistema imperante, y mil cosas más. Y si creen que eso es poco, miren las alucinantes reflexiones del gran Ian Mckaye, el eterno líder de Minor Threat, Fugazi y jefe de su propio sello independiente radical Discord records, enseñándonos aquel valor contracultural que planteaba el hardcore a plena forma. O las anécdotas de la gente de Bad Brains, aquellos simpáticos morochos que supieron romper los limites entre el punk y la cultura Rastafari y le dieron una razón mucho más violenta de ser. O el interesante universo de Henry Rollins, el histriónico vocalista de los recalcitrantes Black Flag, escupiendo verdades en tu cara. Todo esto y más, contado en crudo y en base al apoyo de imágenes y videos de la época. que muestran la viseralidad con que se manejaba el movimiento. Sin banderas, y con todo en contra, el movimiento Hardcore de principios de los ochentas, no fue solo un montón de locos que querían llevar el punk a un nuevo nivel de violencia poniendo el acelerador a fondo. Eran un grupo de jóvenes llenos de energía con ganas de cambiar un poco el mundo y salvarlo de la estupidez conformista dominante. Hete aquí el documento de esa generación y de como comprender algo tan trascendental que ha sobrevivido hasta el día de hoy. Toda una declaración de principios.


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Datos Documental

La tragicomica afirmación

Morphine - Yes (1994)




Yes es un disco de canciones simples, pero efectivas. Canciones que son una oda a la lujuria y a épocas pasadas. Canciones que pudieron salir de la mano de uno que otro melancólico de turno, pero que se ahogan de un espíritu hereje y solemne. Canciones solitarias que se contagian de vez en cuando con cierta alegría más provista de una fiesta ska que de un bar de viejos verdes y otras (en mayor medida) de una que otra fiesta con un vaso de whisky en la mano al ritmo de Miles Davis convertido a músico de blues. Bueno, hay un poco de todo lo dicho anteriormente, pero más vale profundizar en la banda y su obra en si.
Yes es el tercer disco de Morphine, banda que supo construir con pocas vueltas su propio sonido, valiéndose de recursos tales como un bajo, un saxo barítono y una batería solamente (En sus discos posteriores al que nos compete utilizarían otros recursos desde ya), canciones redondas y heterogéneas, con una infinidad de sensaciones de por medio, y una amalgama entre el jazz, el blues y el rock claro. Pero para sorpresa de muchos, la banda da un paso adelante y suena original, al punto de dar vergüenza a más de uno por lo simple, pero efectiva de la propuesta. Mark Sandman, bajista y líder del proyecto, los llegaría a rotular como Low rock. Sin embargo, creo que en particular este disco el término no va del todo bien. En primer lugar, el disco aunque tiene una importante cuota de canciones de ese tipo, la banda mueve un poco más los tornillos y logra magia, especialmente en el tema que abre el disco, Honey White, con el saxo virtuoso de Dana Colley, logrando una melodía bien pegajosa y contagiosa que puede despistar a más de uno del rumbo del disco. Otros ejemplos serian Radar en mi opinión otro pico alto del disco y la mixtura entre locura rutera y scatting de Sharks. Pero Honey White se lleva la corona. ¿Y los otros temas? Bueno, la verdad que son bastante parejos. Whisper es un temazo, con un estribillo que no me lo puedo despegar, algo cargada de esa sana melancolía de siempre o super sex con la genialidad de dos saxos tocados a la vez. Gone For Good, seria la balada folk que cierra el disco. Tranquilamente Johny cash la pudo haber escrito, pero dejémoslo descansar en paz de una vez a un grande. Y Mark Sandman? Encaja a la perfección con su voz desganada y su excelente trabajo en el bajo. ¿Necesito hablar más de este disco? Ni las palabras ayudan. Escúchenlo y disfruten de una fiesta con whiscacho en mano. Si son agretas, ustedes se lo pierden.


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Datos disco

Si la pluma vence a la espada, esta está envenada

Death note (2006-2007)

El anime como institución dentro de ese universo de la llamada animación japonesa, francamente, a demostrado tantos buenos ejemplos como residuos de la peor calaña. Por mi parte, consumí durante mucho tiempo de gran parte de el anime que pasaban por los canales de cable. Uno sentía cierta atracción al imaginario fantástico, a las historias épicas y por que no, a los dibujos que daban exagerada belleza a las muchachas. Pero un crece y lamentablemente termina desechando o dejando como algo nostálgico buena parte de aquello y la verdad termina en una posición compleja y muchísimo más selectiva. Eso me pasa mucho sobre todo con el anime actual.

Me cuesta encontrar una historia con la cual sentirme atraído y en un 80% tal vez no sea el mejor, pero a logrado entusiasmarme de nuevo por el genero. Claro, el anime con contenido maduro puede resultar chocante para aquellos que se acostumbran a los parámetros más grasas y frívolos del mismo, pero me importa poco realmente que pueda mover a la gente, y sí un buen guión y personajes que te impacten desde el primer momento. El caso de Death Note es eso y un poco más por suerte.

La historia nos coloca en los zapatos de Light Yagami, un estudiante prodigio, una mente brillante y con bastante antipatía hacia el entorno violento en que vive, que obtiene un cuaderno con poderes sobrenaturales llamado Death Note. Este cuaderno tiene el poder de matar a la persona si se escribe el nombre y se conoce el rostro del mismo, con varias reglas que el poseedor puede seguir para un uso más amplio. Estos cuadernos pertenecen a unas criaturas sobrenaturales llamadas Shinigamis, las cuales dejan caer estos cuadernos al mundo humano para que sean encontrados por algún individuo, el cual recibe no solo los beneficios del Death Note, sino del poder del Shinigami que le toque.
Yagami descubre el poder del cuaderno, y se posiciona como um paladín de la Justicia, utilizando el mismo para asesinar criminales. La cosa se pone interesante cuando el personaje es confrontado por la policía que al ver una serie de asesinatos en masa a criminales, se pone a investigar y intercede un renombrado detective desconocido, conocido como L, el cual confrontara a través de su gran razonamiento a igualmente virtuoso Yagami (conocido como Kira, o killer en japonés). Al punto, que Kira no solo asesina a los malvivientes, sino también a todo aquel quien se interponga en su camino de una sociedad utópica y justa.
La trama sigue conceptos interesantes con una estética bastante oscura y tétrica, donde se cruzan bastante la idea de justicia, el bien y el mal, la megalomanía, siempre manteniendo el suspenso como suerte de tira policial de contenido fantástico que es. Una cosa a criticar desde ya, es que lejos que fueron bastante inteligentes de no abusar con la duración de la serie. Más para el final, uno siente que parte de ese hilo al comienzo que vuelve la serie tan interesante, se tambalea y por ahí uno le deje de resultar interesante. Pero por suerte, la serie a nivel desarrollo gana por asalto por lo que en cierto modo, finalmente pide ser visto hasta el último capitulo. Buenos guiones, buena estética, buenas ideas y porque no, algo de originalidad falta mucho por estos tiempos en el mundillo del manga y el anime. Por suerte Death Note hace regresar mis esperanzas en la humanidad ¿Qué estas esperando para verla?

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Datos serie

Voy camino a la Devo-lución

Devo - Q: Are we not men? A: We are Devo! (1978)


La bendita nueva ola (New Wave para los amigos) a esta altura fue uno de los ejemplos más penosos que dio la pasada década e los ochentas. Esta bien, hubo ejemplos excepcionales, como el caso de Talking Heads, pero eran los menos ante una movida musical que tomaba una preocupación en exceso por cuestiones estéticas, y traía consigo una música bastante accesible pero poco interesante para el deleite de los espectadores de la naciente MTV, llegando con suerte a tirar un hit para el deleite de sus espectadores.
Devo a su modo fue una de las fundadoras de esta suerte de movida, pero en algún punto suena a un agravio ponerlos al lado de grupos tan desechables como A Flock of Seagulls o Soft Cell. Lo suyo pasaba por llevar los estamentos estéticos a nuevos niveles de locura, y todo esto con un concepto que va desde el nombre (Devolution, un termino que ellos mismos patentaron y que habla de un retroceso socio cultural como producto de la sociedad industrial del momento) y un uniforme bastante particular. Una manifestación de principios.
Pero el debut de Devo es demasiado. Un grupo que tomaba el punk y la electrónica, y llevaba ese universo a dimensiones nunca antes vistas. Con la ayuda de un buen amigo de la avantgarde y la experimentación, Brian Eno, lograron uno de los debuts más sólidos del momento. Y si pensamos en aquel momento, nombres como Television, Joy División, Magazine, Cardiacs y otras luminarias lograban sacar al punk del eterno molde de los 3 acordes y la furia política, Devo llevo su imaginaria plástica a terrenos tan inaccesibles como fascinantes. Y cuidado, no digo que estos muchachos trajeran una propuesta complicada en lo musical, ya el comienzo con Uncontrollable Urge, nos enseñan un punk juguetón y jocoso que admite espacio para el gancho en base a esos incesantes yeah yeah yeahs que tiran de aquí para allá y algunos toques electrónicos. Pero como dije, el concepto lleva las cosas al borde la locura y en momentos la música es solo la banda de sonido para este carnaval de ironía y sinsentido de una sociedad aún más inentendible ¿Como puede entenderse el cover de los Rolling Stones, Satisfaction, transfigurada en una suerte de frío caminar sin esa lujuria y con ese feeling punk que ellos mismos supieron patentar?. Y ni hablar de las líricas, que llevan el humor al borde de lo inentendible, como lo muestran en la divertida y coreable Playing Hands, donde nos invitan a hacer movimientos de manos casi llevándonos al ridículo con una suerte de riff casi surfero que corona el tema. Space Junk te golpea de la mejor forma, con ese groove bien 80s, entre guitarras y sintetizadores atacando senilmente tu sistema nervioso. Pero ya la diversión se vuelve insoportable con la llegada de Mongoloid, un riff punky que se te pega como chicle y te voltea la cabeza. Jocko Homo se convierte en el tema raro del disco, una base electrónica antibolichera y el estribillo que pareciera que denuncian al mundo lo que hacen.
Y esa suerte de continuación electrónica que con el buen titulo de Too Much Paranoias, que crepita entre sonidos artificiales al borde de lo insoportable y la incesante voz de Gerald Casale (uno de los puntos más interesantes del disco, llevando su voz dentro de los limites de lo establecido con toda la gracia).
Pero si querían fuerza y violencia, denle la bienvenida a Gut Feeling, un crecendo que estalla en la segunda parte de la canción a la histérica y casi hardcore Slap your Mammy.
Come Back Jones aminora la marcha sin bajar linea, lejos de anticiparnos a la excitante Sloppy (I saw my baby getting), con un estribillo donde parecen jugar con el oyente en base a samples para dar espacio para volver a la marcha.
El final es con esa suerte de folk electro demencial llamado Shrivel-up que en cierta modo, es un excelente final para un disco lleno de sorpresas y humor.
Sorprende que con solo 35 minutos, Devo haya traído semejante disco y nos hada mover la patita incontrolablemente, sorprende más que hasta el día de hoy hayan sido tan injustamente subestimados teniendo tamaña obra. Por todo esto y más, yo te diría que busques urgente los 3 primeros discos de estos cabeza de cono. Material como este merece una oportunidad.

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Manual para el joven sicopata de hoy

Macabre - Sinister Slaughter (1993)

El death metal fue como el gran suceso del underground pesado. Le dio una nueva capa de renovación/extremidad que había aportado parte de la escena thrasher haya en los 80s con la aparición de grupos como Slayer y Possessed, llevando la violencia a nuevas dimensiones. Pero también estaba el Grindcore, aquel genero que ayudaron a fundar los británicos Napalm Death y su versión quirúrgica, Carcass, llevando la extremidad a nuevos limites, tomando como base el hardcore/punk más virulento. A la par, hubo un grupo de bandas que mamaron de parte de ese feeling iracundo y tuvieron la desgracia de no tener el reconocimiento de estas dos, como Repulsion, Terrorizer y en cierto modo, Macabre. Por otro lado, estos últimos sin ser necesariamente pioneros, dieron paso a un sonido bastante personal que estaba entre medio de el grind, el death y en algunos puntos el thrash, aderezado con un tremenda obsesión estética/lírica al mágico mundo de los asesinos seriales y dementes de toda clase y varios tufillos a la musica popular norteamericana en muchos casos.

Con Gloom (1989) mostraron su faceta más cercana al grindcore y con este, Sinister Slaughter, llegamos a su sonido definitivo. Por un lado nos encontramos conque la idea recae en riffs
tarareables, triple ataque vocal (entre voces agudas casi al punto de la afonía, gruñidos guturales y voces limpias), estribillos melódicos que rozan lo jodon muchas veces tomando mucho de ese sentimiento redneck que quieren trasmitir y ese negrísimo sentido del humor, todo en un delicioso plato donde se pone en cartelera a personajes tan simpáticos como Charles Manson, Albert Fish o el zodiaco entre tantos amigos de la gente. Y bueno, la ingeniosa tapa que en cierto modo tributa al Sgt. Pepper's de los beatles en versión killer.

Y si el comienzo con Night Stalker, dedicada al celebre Richard Ramirez no te pega de una, ve directo a Sniper in the sky, tirando ese memorable estribillo sin bajar la violencia y insania típica de ellos. Y si es poco, tenemos la más a medio tiempo Zodiac, donde se apega a típica mezcla entre aquel humor que ellos patentaron y esa buena dosis de pesadez. Pero si hay momentos destacados a rabiar son aquel break del tema Gacys lot o el piano en Vampire of Dussendorf que nos da la pauta del estribillo.
En si el disco no da tregua, y nos asegura lindos momentos de violencia y diversión por doquier. Claro, si te parecen un chiste no te hagas problema. Si no, he aquí una de las bandas más interesantes y personales que ha dado el metal extremo. Para no despreciar.



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Todo por 5 pesos

Les Luthiers - Lutherapia -Gran Rex - 25/7/09





Alguno dijo por ahí que no hay cosa más Argentina que el Bife de chorizo. Yo le diría que no hay cosa más Argentina que Les Luthiers.Más de 40 años sobre las tablas, además de un destello de personalidad único, lo confirman. A esta altura no se les pide que inventen nada siendo que ellos se inventaron y reinventaron desde hace tiempo.Y por su parte nuestra cita en el Gran Rex el pasado sábado fue todo un ejemplo de esto. Más viviendo aún en una generación que sigue viendo a personajes como Enrique Pinty o Corona como idolos y que se sigue identificando con el humor de gatos merqueros de los 80, hay que decir que estos virtuosos de la música y el humor son una brisa de aire fresco. En muchas formas, todo es un ritual que esta más alla del humor. Aquellos mágicos instrumentos salidos de una sacrílega mirada. Aquel lenguaje llena de doble sentidos que nos lleva a la inevitable carcajada, y aquella ironica visión de la vida del ser Argentina, lejos de cualquier viraje elitista. Por supuesto Lutherapia como la mayoría del repertorio de estos 5 magníficos, podrá ser considerado irrelevante para aquellos que se acostumbraron a gran parte del humor descartable del hoy por hoy. Aún así, dudo que ver a estos muchachos tocando instrumentos raros y tirando sus magias de ton a sol sea poco. Y esta bien, algunos destacan por sobre el resto (Marcos Mundstock y en momentos Daniel Ravinovich), pero el sentimiento de colapso ante la falta de alguno es inevitable. Por supuesto, el personaje conceptual Mastropiero sigue siendo de la partida y la mayoría de la historia lo tiene como base.
La historia es simple: Mundstock es un siquiatra que se encarga de analizar la problemática de Gutierrez, o Ravinovich para los amigos. De ahi en más se dan recortes donde se representan recuerdos o personajes citados por Daniel o Marcos, donde muchas veces todo cae en hilarantes momentos musicales. Destacable fue el duelo entre el Carlos Cortes con el piano y Moronna con ese singular aparato de pelotas con aire y el final con esa suerte de chacarera siempre buscando llegar lo mejor posible al exceso sin sonar vulgar.

¿Te gusta Les Luthiers? Lutherapia es Les Luthiers en estado puro, y si es poco, bueno, hay tanto para cambiar tu desvencijado rostro amigo, pero gente como esta hay una sola

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El apocalipsis en tres acordes

Integrity - Those who fear tomorrow (1991)

Hubo una vez un grupo de bandas de hardcore que se aburrieron de la típica cruza entre el hardcore y el thrash. Querían sonar pesadas sin necesidad de apelar a la típica estructura y cambios de ritmo de bandas como DRI y Cro mags por ejemplo, y aunque quedándose con cierto componente estético/ideológico de estos últimos. Sin embargo, hubo unos muchachitos en particular que apelaban a estos cambios, pero iban en contra de la corriente idiologica de las mismas. Estos jóvenes estaban liderados por un personaje muy particular, que tenia como ídolo a iconos de la cultura norteamericana como Charles Manson y era amante de la oscuridad de Joy división y varios proyectos oscuros/esotéricos como Merzbow y Boyd Rice, siempre apelando a una imaginaria apocalíptica que no ostentaban las bandas de su generación.
Hubo muchos rumores, desde que tomaban LSD hasta que el cantante pertenecía a un culto extraño (dato que a larga les recomiendo investiguen por ustedes mismos), pero lo importante que el debut de Integrity sonaba diferente, no buscaba los clichés barriobajeros, no hablaban de honor ni respeto ni familia, sino que escribian letras con sangre negra y total oscuridad. Pero por otra parte apelaban a climas más oscuros y porque no, también ponían solos de impronta slayeriana, de esos bastante básicos, brutales a toda velocidad.
Ya después de una intro, nos encontramos con canciones que apelan muchas veces a medio tiempos brutales, como la efusiva Micha:Those who fear tomorrow, que suena de preludio a la brutal patada de cara que es Diehard. Y en si el disco puede resultar monótono y aburrido si no estas en esto, pero si algo tiene este disco es variedad.
De ahí con temas como Descend into,,, ,una suerte de instrumental emotivo, el comienzo que termina en un maremoto brutal que es In contrast of sin o la letanía y oscuridad de Dawn of a new apocalypse, nos muestran que no todo son temas paleros y vueltas y venidas simplistas de 3 acordes.
Ya el final con March of the Damned nos da un buen ejemplo de cómo apelar al tipico Hardcore y salir bien parado.
Esta claro, que si no te gusta el Hardcore de importa más 90ventera, tal vez no te guste Integrity ni este disco en particular, pero si te guste el estilo y de paso buscas personalidad, tenes 14 buenas excusas para levantar el puño y moshear hasta morir.

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Las dos caras de la misma moneda

Peter Gabriel - 3(1980)



Crecer, algo que siempre es necesario en todo ser humano. Evolucionar, algo que es optativo de cada uno. En el caso de ese importante brecha entre los setentas y los ochentas, hubo una necesidad de esto último. El punk golpeó todo estamento musical alguna vez planteado a finales de los sesenta y durante gran parte de los setentas. Por lo cual, hacer rock progresivo, sicodélico y demás artilugios de impronta académica/virtuosa/excelsa, era algo opacado ante el genero contestario y minimalista por excelencia (que se entienda que en punk había gente capaz y talentosa, pero fue un quiebre en cuanto a los preceptos de la década de los setentas)y pocas bandas de dichas tendencias se mantenían de pie, o terminaban cambiando de genero a música mucho más radiable y comercial, como se vió en el caso de Genesis, Yes, Gentle Giant entre otros no muy notables ejemplos. Pero el caso de Peter Gabriel es bastante particular.
Había dejado a Genesis después de la gira de The Lamb Lies Down on Broadway en 1974 y se embarcó en una carrera solista de importante trascendencia.Ya para finales de los setentas, la necesidad de cambio repercusión en la cabeza de nuestro querido amigo y se volvió un cambio importante a terrenos más accesibles. Pero sin olvidar que Peter Gabriel fue la cara que le dio el carácter provocador y personal a Genesis con las mímicas y los exagerados disfraces, el muchacho quiso llevar las cosas a otro nivel, sabiendo las implicancias que conlleva, y ahora sin el delirio estético y si aportando algo de experimentación a las canciones.
Ya desde la tapa, el tercer disco de esta suerte de trilogía de discos sin nombre que Peter comenzó desde su debut en 1977, tiende una imagen que muestra por un lado el lado accesible y por el otro la experimentación, en canciones muchas veces oscuras, apelando a toda gama de sonidos que la magia de los sintetizadores logra regalarnos y un sonido de batería bastante particular, con la oportuna participación de Phil Collins (su ex compañero de banda) en algunos temas. Y eso es demasiado poco, ya que también se agregaron a la formula figuras de la talla como Robert Fripp y Tony Levin de King Crimson, y gente de bandas no menos trascendentes como de the jam, XTC y la señorita Kate bush. Por lo que el comienzo con Intruder, donde esa batería deja una marca siniestra sumada a una base de sintetizadores y cuerdas resquebrajadas, nos sumergen en un universo no muy lejano que el que nos regalaban los Residents, sino nos encontráramos con la particular voz de Gabriel en el camino y esos tribuneros coros que aparecen en parte del tema.
Ya con No self control, llegamos al Peter Gabriel más cancionero, con esa suerte de surtido entre sintetizadores y xilofono. Start funciona como intermedio con ese bello saxo que da preludio a la movedisa y casi diria bailable/movedisa I dont remember (Desde aca se nota las buenas ideas que tiene a la hora de hacer temas tarareables/hiteros y darle ideas más rebuscadas)
Y aparece la melancolica Family snapshot, mostrando que no todo son canciones alegres y jocosas.
Decae un poco con el tema An though the wire, pero es un descanso hasta la suerte de hit meloso ochentoso que es Games Whithout frontiers, entre coros cantados en Frances y un estribillo memorable.
Ya para el final llega el punto más interesante del álbum con Lead a normal life, un tema que me hace acordar a alguno de esos bellos temas que pudo a ver puesto Floyd o los mismos Genesis en sus discos para matizar entre temas tan complejos sin necesidad de demasiadas sutilezas con el sonido del xilofon y una atmosfera llena de sonidos de toda clase, que preceden a Biko, tal vez uno de los temas más recordados del disco en base a una intro con cánticos africanos y una suerte de percusión como base que prosigue a los cantos de Peter Gabriel , creando una canción epica que sale un poco de los parámetros del disco.
Que se entienda, que estas canciones son más que simples canciones radiables, son canciones bastante elaboradas que al mismo tiempo pueden sonar en cualquier FM y no harían la diferencia. Si escuchan este disco, posiblemente entiendan de lo que hablo, o no. Solo se necesita escuchar y encontrarse con las canciones. No necesitan nada más

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Prisionero de la realidad

The trial (1962)

Muchas veces ser adelantado a tu tiempo puede ser algo no muy agraciado, y más si hablamos del caso de Orson Welles, aquel personaje que llego a la fama gracias a su chocante trasmisión de radio teatro representando la obra de H.G Welles "La guerra de los mundos", que llevo a una suerte de paranoia colectiva.
Gracias a ese fenómeno, termino con la suficiente capacidad para trasladarse al mundillo del séptimo arte y logró su máximo opus, citizen kane (1941) logrando reconocimiento total de el medio y del público, además de un oscar. Aquel film marco el sello característico de Welles, en base a atmósferas y buen uso de recursos en pos de crear una poética y significación única.
Lamentablemente, sus otros trabajos terminaron sin pena ni gloria, aunque teniendo reconocimiento por parte del publico.
Pero en particular, el caso de the trial (1962) es muy particular. Por un lado, hablamos de una adaptación del libro de Kafka del mismo nombre (el proceso en su versión en español).
Por el otro, el imaginario de Welles lleva las cosas a lugares nunca antes vistos. La película lleva un clima denso, no recomendable para aquellos que no esten en un estado anímico/mental les recomiendo que pasen a otra cosa.
La historia es tan simple como compleja: Josef K (protagonizado por Anthony Perkins) es un oficinista que sufre la detención por un delito que desconoce y se le comunica del proceso en su contra. Toda la película sigue básicamente una lucha entre el personaje y la búsqueda de la verdad, que en cierto modo lo exonere de su culpabilidad. La sucesión de imágenes genera muchas preguntas sin respuestas, pero al mismo tiempo busca crear un clima de alienación único que genera reflexiones. Lo perturbador es que todo esto genera un clima que en cierto modo esta más cercano a un ideario surrealista del más pesadillesco llevado a la realidad y de por si la conclusión pareciera una critica de la sociedad industrial y las funciones de los hombres en la misma, la vana lucha del hombre por ser algo diferente en un medio sin significado y la necesidad de opresión en pos de la subsistencia, como en varios momentos donde los personajes muestran una conducta carente de sentido o expresión su conformismo a la situación, o el personaje de el abogado Hastler, encarado por el mismo Orson Welles, cuando utiliza la frase “Muchas veces es mejor ser encadenado que ser libre”.
The trial es un film difícil, donde no importa necesariamente lo que se ve sino lo que se siente, donde la reflexión es lo que busca contenido, y donde los personajes contribuyen a una realidad caótica no muy lejos del mundo que pertenecemos.
Y estará en uno comparar y decir si la novela le generó aquel mundo de asfixiante que tan verazmente soñó Kafka. Aún así, Orson Welles logra con un buen arsenal de ideas y sin irse de contexto, contar el declive de la civilización post modernista en este film, y eso es poco decir.

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El espiral descendente de la fragilidad

Nine Inch Nails – The fragile (1999)


Trent Reznor es una gran mente en ese universo de la llamada música industrial. Sin mucho problema, con 3 discos a cuestas, marco nuevas ideas a traves de su proyecto Nine Inch nails, a aquel panorama, alejándose en parte del sonido más metálico de Ministry o de el maremoto opresivo conocido como Godflesh, aunque si con un toque de el espíritu bailable de Front 242 (algunos recordaran aquel tema Down it de su disco debut Pretty hate machine) . Disco a disco promovió un sonido donde se confrontan pasajes accesibles con chocantes paredes de ruido para llevar todo a otro mundo, con el clásico The Downward Spiral (1994) y el corrosivo Ep Broken, llamando la atención del mundo y logrando posicionarse dentro de los albores de la música industrial, volviendose un grupo de renombre comercialmente, y por suerte, sin renegar cierto vuelo experimental.
Podríamos decir que mucho influyó aquellos años de consumo de sustancias duras que llevaron a nuevas dimensiones a Nine Inch Nails, y que el producto que nos ocupa en cuestión fue el último documento hasta el largo inpass como resultado de su rehabilitación.
Aún así, Reznor nos lleva por esa visión dicotómica entre la belleza y lo grotesco/cacofonico de forma infinita. Porque en cierta forma, The fragile es eso, el mundillo de NIN pero ampliando la paleta sonora, conjugando aquel gusto por melodías accesibles y ruido blanco, aunque a veces la cacofonía produce más un vuelo soñador.
Y como el nombre lo dice, hablamos de un viaje por los caminos de la fragilidad, donde el riesgo que esto implica, con 23 temas dividido en 2 auspiciosos discos.
Y aún pensaran que los discos dobles son pretenciosos (y que quedara para Calamaro en este caso), pero el tema no es cuantos temas haya o discos, sino el vuelo creativo, y hablamos de un personaje que ya había marcado su impronta con buen gusto, por lo que buenos augurios podíamos dejarle.
Pero también se me hace necesario dividir lo experimentado, porque a decir verdad los discos producen efectos distintos. Por un lado el comienzo del primer disco con Somewhat Damaged podría despistarnos, un tema con toda la efervescencia rockera tipica de la banda con toda la maraña maquinal y decadente, pero The day the World went away es otra historia. Una hermosa pared sonora al mejor estilo de My Bloody Valentine (y bandas shoegaze/Noise pop) se intercala con hermosos pasajes con un intermedio tranquilo de esos que también sabe superponer el muchacho.
Y apenas hablamos de la frutilla del postre. The frail es un tema ambient con piano que nos lleva de preámbulo a esa suerte de universo de caos controlado llamado The wretched sofocado por momentos donde los rugidos de Reznor se acoplan a estruendosas guitarras y maquinas acompañadas por esas baterías tan artificiales.
Y la marcha sigue con We`re in this together, siguiendo aquella idea de pasajes marchosos, sonidos repetitivos devenido de otro mundo y estribillos cubierto por paredes de guitarras que no temen cubrirlo todo, menos la voces de su artifice, claro.
The fragile, un medio tiempo con crecendo que nos sumerge de parte de la tranquilidad a los típicos estribillos emotivos/poderosos, y un intermedio ambiental que decae en un estruendoso pero no menos hermoso final.
Y para no alargar demasiado el asunto Just like you imagined es un interesante instrumental donde Reznor no teme aplicar toda su paleta sonora, además de la interesante muralla sonorosinfonica conocida como Pilgrimage y el emotivo final con The great below a pura tranquilidad y violines/pianos siguiendo esa letanía.
Ahora el problema esta en el segundo cd ¿Por qué el problema? Porque en cierto punto toda esa épica sonora experimental que supo lograr en el primer cd se tambalea, no por falta de vuelo sino porque simplemente la necesidad del músico pareciera la de llevar el espectro del mismo a un rumbo no tan ambiental/ruidoso, un poco más directo si se quiere, en pos de general otras sensaciones o que simplemente suena más irregular que el primero.
Pero en cierto modo, aunque es de destacar que uno de los temas más memorables de The fragile esta en este cd (la directa/rockera Starfuckers Inc, llevando a cierta cercaná con el Ministry más pesado), no se encuentra el mismo sentimiento.
Pero temas como Into the void, The mark Has been made o la mencionada Starfuckers Inc, logran mostrar por suerte que hay algo de rescatar ¿Es algo malo? Para nada, solo que puede decepcionar un poco el vuelo de los temas.
En definitiva, cada cual tomara juicios sobre este disco. The fragile nos lleva por un camino de incertidumbre, lastima que el espiral que también supo cultivar Trent Reznor no pueda llegar a tope como antes


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Reganistas, a correr!!!!

Dead Kennedys - Fresh fruit For rotting Vegetables (1980)

Una obra tragicómica. El publico esta vestido de traje y representa el pensamiento conservador de la época. Pero al abrir el telón, aparecen un grupo de muchachos sudorosos. El primer golpeteo de la guitarra es un alud contestaría, la voz acido y punzante condena ese mundo con letras tan irónicas como crudas. Todo un mundo desconocido por el conformismo salía insultado. Eso proponían los Dead Kennedys, patear el consenso de un stablishment que bajo el brazo del gobierno ultraconservador de Ronald Reagan, tapaba las diferencias sociales, creando un imaginario tristemente equivocado de la sociedad.
Eso proponía el punk de los 80s, pero los Kennedys no se conformaban con su mensaje provocativo, también tenían canciones de un groove efervescente, que aparte de mamar de las enseñanzas del punk de finales de los 70s (El llamado hardcore), permitía la entrada de estilos tan disímiles como la música surf, el rockabilly, música carnavalesca, entre otros gustos peculiares.
Y este genesis del sonido de la banda lleva todo a los limites de lo risible. Kill the poor nos contagia desde los primeros acordes y el ritmo contagioso, llevando la ironia a limites insospechados. Forward to death nos ataca a puras putiadas y gancho, When ya gets Drafted y su solo disonante nos deja perplejos. Llega Lets lynch the landlord y nos sumerge en su inpronta surfera sin bajar la intensidad. Drug me y ponen en quinta y el acelerador a fondo y le agregan atmosferas que no desentonan en el llamado violento del grupo.
Pero el clímax aparece con temas como Chemical Warfare, donde la violencia deja lugar un intermedio gitanesco que termina tan violento como al comienzo,
Callifornia Uber Alles nos regresa al gancho típico de la banda con ese estribillo a coro tirando la casa por la ventana.
Destaco también la descontracturada Ill in the head (el nombre lo dice todo), el ya clásico Holiday in Cambodia (si no moves la patita y no te sentís invitado al mosh con este himno te recomiendo que dejes de leer esta review) y el final con el cover de Elvis, Vivan las vegas, mostrando el evidente costado Rockabilly del grupo. Esta decir que si queres escuchar Punk con ideas y buen vuelo, Fresh fruit For rotting Vegetables es un manual excelente para entender que el punk no son solo 5 notas locas y letras barderas. ¿Qué me estas diciendo?¿Que el punk es mierda? ¿Qué no puede ser abierto e imaginativo? Salí de aca, no te necesitamos. Para los que entienden, siéntense y disfruten de una buena cachetada de buenas canciones.

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Tiñendo de negro Buenos Aires

The sisters of mercy - El teatro de Flores - 2/6/09


El teatro se colmo de huestes deseosos de la oscuridad de la mítica banda gótica que marco un sonido único. Junto a bandas como Bauhaus y Fields of Nephilim, llevaron a un nuevo paso todo este mundo de tinieblas con el glamour que sus padrinos Joy division y Magazine no poseían. Y viendo que pudimos presenciar los shows de Peter Murphy (Vocalista de Bauhaus) y Wayne Hussey (vocalista de The mission), la capital se volvió un epicentro de dicha movida.
El comienzo en base a un muro a de luces rojas y amarillas, sumada a una fuerte neblina nos trasladó a los lejanos 80s, cuando estos shows tenían su mística única. Sonaba Crash And Burn y el sentimiento estaba allí presente. Eldritch (el indiscutido líder) no necesitaba más que aquella muralla visual para arremeternos con su áspera voz. Estaba pelado y llevaba una remera amarilla. El paso del tiempo hizo lo suyo, pero aquel personaje, famoso por ser conocido como una suerte de tirano que decidía a punta de su dedo quien podía estar y quien no en su grupo, (cabe resaltar que los únicos dos miembros originales de la banda son el y la batería electrónica, conocida como Dr avalanch) mostró ser carismático y tener una buena escena. El sonido contribuía con esa suerte de reverb y eco que dio un clima particular a la velada
Los músicos que lo acompañaban supieron servir a la circunstancias y dieron su buen despliegue entre los temas Hard rockeros de Vision Thing, como el ribete entre Detonation Boulevard (sin contara el buen despliegue del potente instrumental Top Nite Out) y el tema que le da nombre al disco, y los temas más oscuros como Something Fast (uno de los momentos más emotivos de la noche) Y Lucretia My reflection.
Momentos celebrados hubo en buena medida ante los clásicos: la versión entera del tema Dominion/Mother Russia (cantada por todo el publico a viva voz), This Corrosion, la ya mencionada Vision thing, Lucretia My reflection, something Fast y el final de la potente Temple of love.
Que quede claro que estamos en pleno 2009, pero vemos a un grupo con un poco más de 20 años de historia, que supo asimilarse al ambiente, que sabe darle realmente emoción a odas frías a la desesperanza y que sorprendió a varios, incluyéndome.

Vivimos uno de los climas más raros en años, y que mejor que acércanos a esta opera invernal para helarnos por fin nuestras cabezas.

Lista de temas

Crash And Burn

Ribbons

Train / Detonation Boulevard

Flood I

Marian

Alice

Giving Ground

This Corrosion

Anaconda

We Are The Same, Susanne

Summer Dominion

Floorshow

On The Wire

Romeo Down

Flood I

Encore:

Something Fast

Vision Thing

Encore 2:

Lucretia My Reflection

Top Nite Out

Temple Of Love

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Un western con más villanos que heroes

El topo (1970)



"Fines del siglo 18, principios del 19. Pleno salvaje Oeste. Hombre temerario llega a pueblo asolado por la delincuencia en medio de un clima donde la ley es lo primero que se viola y donde los forajidos tienen el control. El hombre tiene como misión poner el orden a costa de perder su vida" Típico argumento de cualquier película Spaghetti Western. Aquel genero popularizado entre los años 50 y los 60 por gente como Charles Bronson Y Clint Eastwood.
Pero aquí olvidémonos del heroísmo y los típicos clichés de género. Alejandro Jodorowsky no es un director tradicional y menos anda queriendo hacer películas típicas de Hollywood pochocleras para entretener a las masas.
Venía de grabar films de bajo presupuesto con un gran contenido surrealista/experimental como Fando y Lis (1967) y en cierto modo convirtiéndose en un director de culto. Y ya con algo de experiencia bajo el brazo, el director chileno nos entrega este extraño espécimen que la prensa llegó a titular "un western sicodélico". Cada uno tomara su posicionamiento, pero El topo en si es un film complejo, en algún punto exagerado y excéntrico.
La historia comienza con el personaje principal (el topo mismo), protagonizado por el mismo Jodorowsky, que se encuentra con un pueblo donde sus ciudadanos han sido masacrados. Desde ahí el film se enmarca con un contenido bastante violento (violento para lo que son los típicos western claro) donde hay bastante violencia y sangre en abundancia. Ni hablar el uso de actores con discapacidades (mutilados, enanos, etc) que dejan un clima mucho más bizarro y shockeante.
Luego el film se enmarca en 3 partes, en una suerte de alegoría bíblica bastante explicita en las reflexiones del personaje y los bloques (Profetas, Genesis y Apocalipsis) que dividen parte del film.
Con un final trágico y una reflexión desacralizada dentro del genero, El topo fue uno de los films más influyentes de todo los tiempos, al punto que tuvo el fanatismo y el apoyo de el matrimonio Lennon, Pink Floyd, Marylin Manson (quien llamo al mismo Jodorowsky para ser el sacerdote de su boda con la actriz Diva Von Tesse), David Lynch, Samuel Jackson y muchos más. Yo digo que este Western sicodélico, es más efectivo que cualquier dosis de heroína. Esta en ti decidir por una o la otra.


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Fetichistas de la bruja negra en su vaudeville berreta y con el hardcore en el corazón

Type o negative - Bloody Kisses (1993)




A veces pienso que aquel Shock que quería causar gente como Alice Cooper o (más recientemente) Marylin Manson, muchas veces es más que asustar a suegras con muchas artilugios de lo más perturbadores, sino burlarse de esquemas de ciertos parámetros culturales.
Bueno, paradójicamente, lo de Type O Negative, es un literal ataque a los estereotipos populares, sin por ello quitar de lado la calidad compositiva. Bloody Kisses es su tercer disco y reflexionando seriamente, un importante ejemplo de una banda que marco la movida gótica para los 90s. Pero decir acá que TON es una banda gotica sería ya demasiado poco. Estaban las lecciones de Black Sabbath bien aprendidas como lo habían representado su contraparte inglesa, Paradise lost, con esa combinación de riffs sabbateros y teclados oscuros, pero los liderados por Peter Steele venían de Brooklyn, ciudad más marcada por la escena hardcore que por otra cosa. Y sabiendo de que durante los ochentas, Peter y Sal Abruscato (baterista que participó en este disco), participaron de la banda hardcore/Thrash Carnivore, sumado al primer disco de TON (donde se vislumbraban en mayor medida dichas influencias), no es raro encontrarnos con temas como Kill all The white People, con un intermedio setentoso/sabbatero y la tribunera We hate Everyone con un medio tiempo mechado entre el teclado y esos riffs tan típicos de ellos. Pero el sonido más gótico pesadon esta presente en temas como las conocidas Christian Woman (dividida en 3 partes) y Black no 1 (un tributo satírico de las bandas góticas de los 80s). Y si quieren más maldad y lentitud, Bloody Kisses (A death in the family) con ese siniestro teclado marcando esas atmósferas tétricas. No hay nada predecible y el humor (muchas veces del más negro) toma el control como herencia de la ex banda del cantante, quien con su voz bastante grave (sin llegar a ser gutural claro) marca tendencia. Con clichés y/o sin ellos, estas canciones tenidas de verde tienen todo para hacerte mover la patita. Por mi, no hay más nada que pedir.


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Entombed en Argentina

ENTOMBED Sàbado 28 de noviembre

18.00 Hs en The End live.

Rivadavia 7428

Organiza

Hurling metal & Star gate Productions

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Menos bermudas, más emoción

No Demuestra Interés – Mensaje no preciso de imagen (1995)



El BAHC (buenos aires Hardcore para los amigos) fue una suerte de empujón de los medios que veían un gran auge de dicho género en la ciudad de Buenos Aires, lleno de bandas y shows donde superaban las 2000 personas allá a principios de los 90s. Pero hubo grupos que siguieron su camino, defenestraron dicha escena y marcaron un antes y después de la misma. De ahí podríamos sacar a Fun people y a los no menos trascendentes NDI.
NDI (No demuestra interés) había editado ya el furioso Extremo sur (1993), cargado de un Hardcore/Punk furioso, cargado de líricas combativas anticonsumo/antisistema/militantes, y un sonido bastante diferenciado de resto de sus compañeros de escena. Pero los muchachos, cansados de parte de la pose y del poco compromiso musical de sus pares deciden hacer un giro de 360 grados y graban dos años después “Mensaje no preciso de imagen”.
¿Cómo podemos definir este disco? Por mi parte, las etiquetas son un tanto innecesarias, pero aquí los parámetros se han ampliado que explicarlo es un desafía. Temas que superan los 6 minutos, melodías emotivas, letras de corte poético, lejos de aquellas himnos adolescentes comprometidos y más dentro de un tono sentimental, en parte marcado por decepciones más que por victorias. Post hardcore seria un rotulo posible, pero no nos llevaría al grano y no se si acercarlos a bandas como Fugazi o Rites of spring. Alternativo tal vez, pero los temas superan en complejidad a de bandas como el otro yo o hasta los aquí nombrados Fun People (que lejos de empezar dentro del movimiento hardcore, tuvieron su roce y la banda actual de su líder, Boom Boom Kid esta más cerca de lo alternativo que lo hardcore/punk). Podría ser Indie pero lo único que nos dice es que es “independiente” y que se acerca a la sensibilidad de grupos como los Bad seeds o Dinosaur Jr y poco veo de esto.
En fin, los 9 temas que presenta la banda (sin incluir los 3 bonus tracks que presenta mi edición) son un interesante búsqueda musical.
Los temas promedian a medio tiempo, pero “Amanece gris” quiebra la norma, con sus cuelgues Hardcore, sin olvidar la melodía y emotividad que promedia el álbum. Hay un tufillo Doom (o al menos se podría decir que lo tiene por las declaraciones de miembros que daban a entender el fanatismo a bandas como Cathedral o los mismos padres del estilo, Black Sabbath) en temas como “Quemar”, una suerte de canciones punks dentro un plano más progresivo como aunque y superficial, temas más directos como miedo, esa suerte de zapada folk/punk con clímax para el final que es recuerdos, entre otras cosas. Dama pobreza suena a el final epico/calmo que logra su objetivo primordial, aminorar la emoción dejada por el disco.
Mensaje no preciso de imagen no es Hardcore, no es Post Hardcore, no es Indie, no es alternativo y no importa que sea, solo se que los 9 temas de este disco (recuerden que no incluí los temas bonus porque tengo la reedición sacada por el Sello Hardcore “X el cambio”) van a ser disfrutado por todo aquel que desprestigia las mil etiquetas del mercado de la música. Yo por mi, doy gracias por eso. Cuando la personalidad esta y existen buenas intenciones, los resultados están a la vista.

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El swing que Sinatra cantó en sus pesadillas

Portishead – Portishead (1997)




La oscuridad rodea como neblina en un salón de baile. Tiene olor a épocas de antaño. Todo está en una radiografía blanco y negro. Roída por el tiempo, nos presenta imágenes de una generación tan lejana. Pero todo se deforma, un ritmo nuevo marca el pulso de una nueva era desconocida para aquellos quienes se acercan a dichoso espacio. Una maquina filtra dichas danzas y las devuelve en forma de suplicios de un década que acaba. Una bella voz de una dama hiela la sangre de los hombres con un tono Soulero tan particular, muy lejos de la candidez de aquellas morochas del pasado y más cerca de alguna muchacha blanca anoréxica a punto del dar su último suspiro.
Y esto sería demasiado poco, screachings, voces artificiales, capas y capas de texturas salidas de otro mundo distante, todo en clave de swing oscuro y alienado, llegando incluso a reclamar ese espíritu vintage, sin olvidar que han pasado más de 40 años y el tiempo ha cambiado.
Todo esto y más podría decirse de la segunda producción de Portishead, Portishead. Aquí nos encontramos con aquella oscuridad y crudeza que no encontrábamos en Dummy, en un sonido más intenso y con texturas más arraigadas.
Todo enmarcado en la fuerte influencia de la música soul/swing de la voz de Beth Gibbons que nos lleva por canciones oscuras, llenas de melancolía, con un espíritu de viejas épocas, como nos puede dar la vintage All mine (más cercana a un tema de Sinatra con atmosfera siniestra y la delicada voz de Gibbons), la fantasmagórica Humming o Only you con un estribillo hermoso, de esos que harían aullar la luna (y si, el sentimiento siempre presente). Beth Gibbons y compañia traen sin recados el sonido que marca una época, donde por suerte las buenas ideas existían y se podía seguir haciendo canciones. ¿Se atreven a apuñalarse el corazón con estas odas a la melancolía? Pues aquí un buen antídoto.




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Musica pop de la octava dimensión

The residents – The commercial album (1980)





Los setentas fueron marcados por un espíritu estético y musical único. Todavía no existía MTV o radios FMS como las de ahora, por lo que no existían tantas exigencias artísticas y más posibilidad de experimentar de varias formas. The residents partían de esas premisas, pero llevaban la experimentación a niveles inusitados, en base a un sónido entre la sicodélia, la música progresiva, el kraut rock, la naciente electrónica y un espíritu Glam exagerado (que se entienda que el termino refería y refiere a la importancia en la cuestión estética), manteniendo siempre su estela de anonimato hasta el día de hoy.
Pero durante su década de nacimiento no pudieron tocar en vivo hasta a comienzo de los ochentas cuando adquirieron las tecnologías necesarias para poder enseñar su insaña musical.
The commercial album, paradójicamente, es su disco que ver la nueva década y en cierta forma, su testimonio en clave pop a lo Residents.
Por suerte esto no significa nada, ya que la excentricidad se mantiene y la experimentación no queda atrás. Nos encontramos con 40 canciones de un poco más de un minuto y algunos invitados como Chris Cutler y Fred Frith (Henry cow) , Snakefinger y algunos invitados anonimos
La electrónica tienen gran protagonismo sumado a las típicas voces fantasmagóricas/marcianas que los muchachos nos tienen acostumbrados, pero en canciones más directas y digeribles. Se destacan las colaboraciones en Picnic Boy y esa suerte de sinfonica descontracturada/mutante llamada Margaret Fremman (Con un vocalista muy parecido a Gerald Casale de Devo). Ya promediando el final del disco nos encontramos con Fingertips, a esta altura lo más normal dentro de lo que puede escuchar de la banda, como una suerte de cancion de banda de sonido de algun film epico o algun western (sin necesidad de llegar a sonar a Morricone, claro).
Por mi parte sugiero escuchar con auriculares esta orquesta infecciosa. Ante cualquier sintoma, como diarrea, vomito, dolores de cabeza entre otras cosas, lo sentimos. Demasiado Britney Spears hace mal

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Los chicos del maíz y su oda a la decadencia noventera

Korn – Korn (1994)




Hablar del debut de Korn mencionando el hecho de que fuera el principio del bendito e inútil rotulo conocido como new metal seria nada. Por lo que dejare de lado ese dato tan explotado por la prensa y me dedicare a en detallar lo que importa: la música.
Los muchachos de California tenían un puñado de ideas que hasta ese momento se estaban desarrollando, pero no de forma tan radical: un bajo de 8 cuerdas en una suerte de golpeteo funky/siniestro (con buenas cuotas a Primus), un vocalista bastante ecléctico que combinaba una suerte de scatteadas/vocablos raperos con berridos, estructuras a medio tiempo entre mecánicas/repetitivas que no se salen de una suerte de impronta industrial/hardcorosa (sin ser necesariamente dichos estilos claro), riffs que podrían salir más de un Helmet quitando la técnica y intridez, un groove que se acercaría a Pantera y líricas conflictuadas sobre adolescencias perturbadas desde lo más profundo de la mente humana, con un vocabulario más cercano a un rapero que a un psicoanalista.
Bueno tal vez exagere, pero el comienzo del disco con Blind que empieza con una reminiscencia a Too many puppies de los ponderados de Les Claypole y que rompe a un grito todas las sospechas.
Aquí no importa cuantos riffs se tocan ni si sonamos más heavies que X banda, lo importante son las canciones.
Y por supuesto, olvídate de los solos de guitarra, acá todo te va en la cara y ciertamente las canciones no necesitaban de delirios de virtuoso de turno ni mucho menos, eran canciones para poguear. Olvídate del Headbanging, las canciones se mueven de una forma que resulta imposible o difícil revolear los pelos. Olvídate de momentos de rapidez, acá las canciones siguen siempre un ritmo a medio tiempo.
Y olvídate del ¿Heavy metal? Bueno no me voy a poner a discutir, pero Korn era (y es en parte) una banda heavy y lejos de los esquemas que el más ortodoxo de la cuadra tire, las canciones de su autotitulado tienen esa fuerza e ideas que en aquel momento empezaban a carecer gran parte de la escena, sea porque había una necesidad de renovación o porque simplemente fue una evolución natural.
Pero más allá de opiniones más de uno que se las da de correcto dentro del heavy abra cabeceado o saltado con Blind, la saltarina Ball Tongue, el riff enfermito de Faget, a gaita de esa suerte de oda a las canciones de cuna en plan terrorífico que es Shoots and ladders o la no menos agarrapelos Helmet in the Bush.
Muchos me putiaran y no me va a importar, Korn de Korn es un disco que marco para bien una época, lejos de lo decadente de esa escena (contado excepciones que las hubo) que ellos ayudaron a construir. Y eso es decir mucho en la década que vivimos. Larga vida a los 90s!!!!!!!!!!


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