Un western con más villanos que heroes

El topo (1970)



"Fines del siglo 18, principios del 19. Pleno salvaje Oeste. Hombre temerario llega a pueblo asolado por la delincuencia en medio de un clima donde la ley es lo primero que se viola y donde los forajidos tienen el control. El hombre tiene como misión poner el orden a costa de perder su vida" Típico argumento de cualquier película Spaghetti Western. Aquel genero popularizado entre los años 50 y los 60 por gente como Charles Bronson Y Clint Eastwood.
Pero aquí olvidémonos del heroísmo y los típicos clichés de género. Alejandro Jodorowsky no es un director tradicional y menos anda queriendo hacer películas típicas de Hollywood pochocleras para entretener a las masas.
Venía de grabar films de bajo presupuesto con un gran contenido surrealista/experimental como Fando y Lis (1967) y en cierto modo convirtiéndose en un director de culto. Y ya con algo de experiencia bajo el brazo, el director chileno nos entrega este extraño espécimen que la prensa llegó a titular "un western sicodélico". Cada uno tomara su posicionamiento, pero El topo en si es un film complejo, en algún punto exagerado y excéntrico.
La historia comienza con el personaje principal (el topo mismo), protagonizado por el mismo Jodorowsky, que se encuentra con un pueblo donde sus ciudadanos han sido masacrados. Desde ahí el film se enmarca con un contenido bastante violento (violento para lo que son los típicos western claro) donde hay bastante violencia y sangre en abundancia. Ni hablar el uso de actores con discapacidades (mutilados, enanos, etc) que dejan un clima mucho más bizarro y shockeante.
Luego el film se enmarca en 3 partes, en una suerte de alegoría bíblica bastante explicita en las reflexiones del personaje y los bloques (Profetas, Genesis y Apocalipsis) que dividen parte del film.
Con un final trágico y una reflexión desacralizada dentro del genero, El topo fue uno de los films más influyentes de todo los tiempos, al punto que tuvo el fanatismo y el apoyo de el matrimonio Lennon, Pink Floyd, Marylin Manson (quien llamo al mismo Jodorowsky para ser el sacerdote de su boda con la actriz Diva Von Tesse), David Lynch, Samuel Jackson y muchos más. Yo digo que este Western sicodélico, es más efectivo que cualquier dosis de heroína. Esta en ti decidir por una o la otra.


Trailer pelicula




Datos pelicula

Fetichistas de la bruja negra en su vaudeville berreta y con el hardcore en el corazón

Type o negative - Bloody Kisses (1993)




A veces pienso que aquel Shock que quería causar gente como Alice Cooper o (más recientemente) Marylin Manson, muchas veces es más que asustar a suegras con muchas artilugios de lo más perturbadores, sino burlarse de esquemas de ciertos parámetros culturales.
Bueno, paradójicamente, lo de Type O Negative, es un literal ataque a los estereotipos populares, sin por ello quitar de lado la calidad compositiva. Bloody Kisses es su tercer disco y reflexionando seriamente, un importante ejemplo de una banda que marco la movida gótica para los 90s. Pero decir acá que TON es una banda gotica sería ya demasiado poco. Estaban las lecciones de Black Sabbath bien aprendidas como lo habían representado su contraparte inglesa, Paradise lost, con esa combinación de riffs sabbateros y teclados oscuros, pero los liderados por Peter Steele venían de Brooklyn, ciudad más marcada por la escena hardcore que por otra cosa. Y sabiendo de que durante los ochentas, Peter y Sal Abruscato (baterista que participó en este disco), participaron de la banda hardcore/Thrash Carnivore, sumado al primer disco de TON (donde se vislumbraban en mayor medida dichas influencias), no es raro encontrarnos con temas como Kill all The white People, con un intermedio setentoso/sabbatero y la tribunera We hate Everyone con un medio tiempo mechado entre el teclado y esos riffs tan típicos de ellos. Pero el sonido más gótico pesadon esta presente en temas como las conocidas Christian Woman (dividida en 3 partes) y Black no 1 (un tributo satírico de las bandas góticas de los 80s). Y si quieren más maldad y lentitud, Bloody Kisses (A death in the family) con ese siniestro teclado marcando esas atmósferas tétricas. No hay nada predecible y el humor (muchas veces del más negro) toma el control como herencia de la ex banda del cantante, quien con su voz bastante grave (sin llegar a ser gutural claro) marca tendencia. Con clichés y/o sin ellos, estas canciones tenidas de verde tienen todo para hacerte mover la patita. Por mi, no hay más nada que pedir.


Video


Datos disco

Entombed en Argentina

ENTOMBED Sàbado 28 de noviembre

18.00 Hs en The End live.

Rivadavia 7428

Organiza

Hurling metal & Star gate Productions

Videos

Menos bermudas, más emoción

No Demuestra Interés – Mensaje no preciso de imagen (1995)



El BAHC (buenos aires Hardcore para los amigos) fue una suerte de empujón de los medios que veían un gran auge de dicho género en la ciudad de Buenos Aires, lleno de bandas y shows donde superaban las 2000 personas allá a principios de los 90s. Pero hubo grupos que siguieron su camino, defenestraron dicha escena y marcaron un antes y después de la misma. De ahí podríamos sacar a Fun people y a los no menos trascendentes NDI.
NDI (No demuestra interés) había editado ya el furioso Extremo sur (1993), cargado de un Hardcore/Punk furioso, cargado de líricas combativas anticonsumo/antisistema/militantes, y un sonido bastante diferenciado de resto de sus compañeros de escena. Pero los muchachos, cansados de parte de la pose y del poco compromiso musical de sus pares deciden hacer un giro de 360 grados y graban dos años después “Mensaje no preciso de imagen”.
¿Cómo podemos definir este disco? Por mi parte, las etiquetas son un tanto innecesarias, pero aquí los parámetros se han ampliado que explicarlo es un desafía. Temas que superan los 6 minutos, melodías emotivas, letras de corte poético, lejos de aquellas himnos adolescentes comprometidos y más dentro de un tono sentimental, en parte marcado por decepciones más que por victorias. Post hardcore seria un rotulo posible, pero no nos llevaría al grano y no se si acercarlos a bandas como Fugazi o Rites of spring. Alternativo tal vez, pero los temas superan en complejidad a de bandas como el otro yo o hasta los aquí nombrados Fun People (que lejos de empezar dentro del movimiento hardcore, tuvieron su roce y la banda actual de su líder, Boom Boom Kid esta más cerca de lo alternativo que lo hardcore/punk). Podría ser Indie pero lo único que nos dice es que es “independiente” y que se acerca a la sensibilidad de grupos como los Bad seeds o Dinosaur Jr y poco veo de esto.
En fin, los 9 temas que presenta la banda (sin incluir los 3 bonus tracks que presenta mi edición) son un interesante búsqueda musical.
Los temas promedian a medio tiempo, pero “Amanece gris” quiebra la norma, con sus cuelgues Hardcore, sin olvidar la melodía y emotividad que promedia el álbum. Hay un tufillo Doom (o al menos se podría decir que lo tiene por las declaraciones de miembros que daban a entender el fanatismo a bandas como Cathedral o los mismos padres del estilo, Black Sabbath) en temas como “Quemar”, una suerte de canciones punks dentro un plano más progresivo como aunque y superficial, temas más directos como miedo, esa suerte de zapada folk/punk con clímax para el final que es recuerdos, entre otras cosas. Dama pobreza suena a el final epico/calmo que logra su objetivo primordial, aminorar la emoción dejada por el disco.
Mensaje no preciso de imagen no es Hardcore, no es Post Hardcore, no es Indie, no es alternativo y no importa que sea, solo se que los 9 temas de este disco (recuerden que no incluí los temas bonus porque tengo la reedición sacada por el Sello Hardcore “X el cambio”) van a ser disfrutado por todo aquel que desprestigia las mil etiquetas del mercado de la música. Yo por mi, doy gracias por eso. Cuando la personalidad esta y existen buenas intenciones, los resultados están a la vista.

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El swing que Sinatra cantó en sus pesadillas

Portishead – Portishead (1997)




La oscuridad rodea como neblina en un salón de baile. Tiene olor a épocas de antaño. Todo está en una radiografía blanco y negro. Roída por el tiempo, nos presenta imágenes de una generación tan lejana. Pero todo se deforma, un ritmo nuevo marca el pulso de una nueva era desconocida para aquellos quienes se acercan a dichoso espacio. Una maquina filtra dichas danzas y las devuelve en forma de suplicios de un década que acaba. Una bella voz de una dama hiela la sangre de los hombres con un tono Soulero tan particular, muy lejos de la candidez de aquellas morochas del pasado y más cerca de alguna muchacha blanca anoréxica a punto del dar su último suspiro.
Y esto sería demasiado poco, screachings, voces artificiales, capas y capas de texturas salidas de otro mundo distante, todo en clave de swing oscuro y alienado, llegando incluso a reclamar ese espíritu vintage, sin olvidar que han pasado más de 40 años y el tiempo ha cambiado.
Todo esto y más podría decirse de la segunda producción de Portishead, Portishead. Aquí nos encontramos con aquella oscuridad y crudeza que no encontrábamos en Dummy, en un sonido más intenso y con texturas más arraigadas.
Todo enmarcado en la fuerte influencia de la música soul/swing de la voz de Beth Gibbons que nos lleva por canciones oscuras, llenas de melancolía, con un espíritu de viejas épocas, como nos puede dar la vintage All mine (más cercana a un tema de Sinatra con atmosfera siniestra y la delicada voz de Gibbons), la fantasmagórica Humming o Only you con un estribillo hermoso, de esos que harían aullar la luna (y si, el sentimiento siempre presente). Beth Gibbons y compañia traen sin recados el sonido que marca una época, donde por suerte las buenas ideas existían y se podía seguir haciendo canciones. ¿Se atreven a apuñalarse el corazón con estas odas a la melancolía? Pues aquí un buen antídoto.




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Musica pop de la octava dimensión

The residents – The commercial album (1980)





Los setentas fueron marcados por un espíritu estético y musical único. Todavía no existía MTV o radios FMS como las de ahora, por lo que no existían tantas exigencias artísticas y más posibilidad de experimentar de varias formas. The residents partían de esas premisas, pero llevaban la experimentación a niveles inusitados, en base a un sónido entre la sicodélia, la música progresiva, el kraut rock, la naciente electrónica y un espíritu Glam exagerado (que se entienda que el termino refería y refiere a la importancia en la cuestión estética), manteniendo siempre su estela de anonimato hasta el día de hoy.
Pero durante su década de nacimiento no pudieron tocar en vivo hasta a comienzo de los ochentas cuando adquirieron las tecnologías necesarias para poder enseñar su insaña musical.
The commercial album, paradójicamente, es su disco que ver la nueva década y en cierta forma, su testimonio en clave pop a lo Residents.
Por suerte esto no significa nada, ya que la excentricidad se mantiene y la experimentación no queda atrás. Nos encontramos con 40 canciones de un poco más de un minuto y algunos invitados como Chris Cutler y Fred Frith (Henry cow) , Snakefinger y algunos invitados anonimos
La electrónica tienen gran protagonismo sumado a las típicas voces fantasmagóricas/marcianas que los muchachos nos tienen acostumbrados, pero en canciones más directas y digeribles. Se destacan las colaboraciones en Picnic Boy y esa suerte de sinfonica descontracturada/mutante llamada Margaret Fremman (Con un vocalista muy parecido a Gerald Casale de Devo). Ya promediando el final del disco nos encontramos con Fingertips, a esta altura lo más normal dentro de lo que puede escuchar de la banda, como una suerte de cancion de banda de sonido de algun film epico o algun western (sin necesidad de llegar a sonar a Morricone, claro).
Por mi parte sugiero escuchar con auriculares esta orquesta infecciosa. Ante cualquier sintoma, como diarrea, vomito, dolores de cabeza entre otras cosas, lo sentimos. Demasiado Britney Spears hace mal

Video Perfect Love



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