El matrimonio entre el infierno y el purgatorio

Irreversible (2002)



Irreversible es aquel transito común que impulsa a la humanidad. Irreversible es aquel sueño de libertad y esperanza que sigue en velo. Irreversible es lo contradictorio y aquel miedo a los tabúes. Irreversible es ese infierno urbano de lo cotidiano. Para que negarlo, Gaspar Noé es un personaje que vive ese mundo irreversible y se ríe de el. No necesita de acoplarse para recibir elogios y no necesita sumas millonarias para vender un discurso profundo e interesante. El problema, claro, es que sus películas poseen un contenido a decir, crudo, siempre tomando elementos y temáticas de una forma bastante chocante, en pos de dar un mensaje bastante interesante. Y claro, si vieron su primer corto Carne, sabrán de lo que digo. Gaspar Noé cree en la violencia explicita como anclaje, a la par de temáticas bastante perturbadoras, y incluso tomas de cámara que terminan haciendo aún más angustiante dicho clima.
Y irreversible, su obra del 2002 y tal vez su film más celebrado, podría ponerse dentro de todos aquellos puntos antes citados y un poco más.
Porque aquel comienzo nos deja en una estela de confusión y caos donde esos dos muchachos viven en una intensa búsqueda por encontrar a un tal Lombriz solitaria, el cual violo a la novia de uno de estos. Pero realmente, uno toma dicho momento, donde la tensión toma protagonismo como un foco importante que quiere generar la película entre las perspectivas de los personajes y la forma de relatar la historia de una forma tan particular que posee el director. Ya para más adelante, se esclarece mucho más las cosas, la cámara toma un flujo mucho más normal y los sucesos se vuelven muchísimo más perturbadores, con escenas que llegaron a escandalizar a más de uno (no acostumbrado a cierto tipo de cine más extremo a de decir).
Pero ciertamente hay que entender una cosa, dicho orden y secuencialidad entre los primeros minutos y más por la mitad de la película nos dan entender un estado casi surrealista, a no decir soñador, que Noe quiere que pensemos. No se trata de la manipulación y el juego que utiliza tan suspicazmente el gran David Lynch, ni mucho menos algún intento de tensión en pos de shockear deliberadamente al espectador. Aquel alud de imágenes llega para poder prepararnos para los sucesos a continuación y tal vez sea un gran don de Irreversible, el clima va escalando hasta un pico donde lo que aparenta por momentos ser inocente no lo es tanto. Pero oigan, retratar la realidad es eso, mostrar temáticas perturbadoras como algo naturales, como parte de lo más humano. Y Gaspar Noé sin duda es un embajador del cine como debe ser, sin importar tabúes ni concesiones. Pero todo cinéfilo como yo, debería entenderlo.


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Prisionero de la realidad

The trial (1962)

Muchas veces ser adelantado a tu tiempo puede ser algo no muy agraciado, y más si hablamos del caso de Orson Welles, aquel personaje que llego a la fama gracias a su chocante trasmisión de radio teatro representando la obra de H.G Welles "La guerra de los mundos", que llevo a una suerte de paranoia colectiva.
Gracias a ese fenómeno, termino con la suficiente capacidad para trasladarse al mundillo del séptimo arte y logró su máximo opus, citizen kane (1941) logrando reconocimiento total de el medio y del público, además de un oscar. Aquel film marco el sello característico de Welles, en base a atmósferas y buen uso de recursos en pos de crear una poética y significación única.
Lamentablemente, sus otros trabajos terminaron sin pena ni gloria, aunque teniendo reconocimiento por parte del publico.
Pero en particular, el caso de the trial (1962) es muy particular. Por un lado, hablamos de una adaptación del libro de Kafka del mismo nombre (el proceso en su versión en español).
Por el otro, el imaginario de Welles lleva las cosas a lugares nunca antes vistos. La película lleva un clima denso, no recomendable para aquellos que no esten en un estado anímico/mental les recomiendo que pasen a otra cosa.
La historia es tan simple como compleja: Josef K (protagonizado por Anthony Perkins) es un oficinista que sufre la detención por un delito que desconoce y se le comunica del proceso en su contra. Toda la película sigue básicamente una lucha entre el personaje y la búsqueda de la verdad, que en cierto modo lo exonere de su culpabilidad. La sucesión de imágenes genera muchas preguntas sin respuestas, pero al mismo tiempo busca crear un clima de alienación único que genera reflexiones. Lo perturbador es que todo esto genera un clima que en cierto modo esta más cercano a un ideario surrealista del más pesadillesco llevado a la realidad y de por si la conclusión pareciera una critica de la sociedad industrial y las funciones de los hombres en la misma, la vana lucha del hombre por ser algo diferente en un medio sin significado y la necesidad de opresión en pos de la subsistencia, como en varios momentos donde los personajes muestran una conducta carente de sentido o expresión su conformismo a la situación, o el personaje de el abogado Hastler, encarado por el mismo Orson Welles, cuando utiliza la frase “Muchas veces es mejor ser encadenado que ser libre”.
The trial es un film difícil, donde no importa necesariamente lo que se ve sino lo que se siente, donde la reflexión es lo que busca contenido, y donde los personajes contribuyen a una realidad caótica no muy lejos del mundo que pertenecemos.
Y estará en uno comparar y decir si la novela le generó aquel mundo de asfixiante que tan verazmente soñó Kafka. Aún así, Orson Welles logra con un buen arsenal de ideas y sin irse de contexto, contar el declive de la civilización post modernista en este film, y eso es poco decir.

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Un western con más villanos que heroes

El topo (1970)



"Fines del siglo 18, principios del 19. Pleno salvaje Oeste. Hombre temerario llega a pueblo asolado por la delincuencia en medio de un clima donde la ley es lo primero que se viola y donde los forajidos tienen el control. El hombre tiene como misión poner el orden a costa de perder su vida" Típico argumento de cualquier película Spaghetti Western. Aquel genero popularizado entre los años 50 y los 60 por gente como Charles Bronson Y Clint Eastwood.
Pero aquí olvidémonos del heroísmo y los típicos clichés de género. Alejandro Jodorowsky no es un director tradicional y menos anda queriendo hacer películas típicas de Hollywood pochocleras para entretener a las masas.
Venía de grabar films de bajo presupuesto con un gran contenido surrealista/experimental como Fando y Lis (1967) y en cierto modo convirtiéndose en un director de culto. Y ya con algo de experiencia bajo el brazo, el director chileno nos entrega este extraño espécimen que la prensa llegó a titular "un western sicodélico". Cada uno tomara su posicionamiento, pero El topo en si es un film complejo, en algún punto exagerado y excéntrico.
La historia comienza con el personaje principal (el topo mismo), protagonizado por el mismo Jodorowsky, que se encuentra con un pueblo donde sus ciudadanos han sido masacrados. Desde ahí el film se enmarca con un contenido bastante violento (violento para lo que son los típicos western claro) donde hay bastante violencia y sangre en abundancia. Ni hablar el uso de actores con discapacidades (mutilados, enanos, etc) que dejan un clima mucho más bizarro y shockeante.
Luego el film se enmarca en 3 partes, en una suerte de alegoría bíblica bastante explicita en las reflexiones del personaje y los bloques (Profetas, Genesis y Apocalipsis) que dividen parte del film.
Con un final trágico y una reflexión desacralizada dentro del genero, El topo fue uno de los films más influyentes de todo los tiempos, al punto que tuvo el fanatismo y el apoyo de el matrimonio Lennon, Pink Floyd, Marylin Manson (quien llamo al mismo Jodorowsky para ser el sacerdote de su boda con la actriz Diva Von Tesse), David Lynch, Samuel Jackson y muchos más. Yo digo que este Western sicodélico, es más efectivo que cualquier dosis de heroína. Esta en ti decidir por una o la otra.


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Ciencia ficción, Humor negro y ¿Tripas?

Bad Taste (1987)

Peter Jackson como muchos lo conocemos se ha vuelto un director de mega producciones de la talla de King Kong (la versión moderna obviamente) y el señor de los anillos.
Pero varios conocemos su pasado, como director de films controversiales, descarados y por sobre todas las cosas explícitos.
¿A que vamos con esto? A que Bad taste es el primer film de Peter Jackson y es mucho decir.
Podríamos decir que nuestro querido director de origen Neozelandés quiso empezar su carrera con unos pocos dólares en el bolsillo y unos cuantos amigos (el incluido) haciendo una suerte película donde se cruzan la ciencia ficción, el humor del más negro y el genero favorito de los enfermos de la cabeza. A si es, el splatter o gore para los amigos, pero por suerte llevado a niveles tan poco creíbles que solo pueden verse como algo hilarante.
Y ¿El argumento? Igual de delirante: Un grupo de extaterrestres invade un pequeño pueblo de Nueva Zelanda asesinando a sus pobladores para convertirlos en comida rápida y el gobierno envía a un grupo de paramilitares a investigar.
¿Creen que esto no es suficiente? Miren la película hasta la escena donde uno de los paramilitares se encuentra con uno de los alienígenas con forma humana y le dispara en la cabeza haciendo que vuele su maza encefálica y mostrando un primer plano de la cabeza partido a la mitad ¿Les dio asco? Excelente, si son sensibles, pueden irse, sino continúen y se encontraran con las escenas más explicitas y imagintivas.
Bad taste es un festín de delirio y explicites, especial para impresionar a tus amiguitos sensibles, o pasar un buen momento explotándote la cabeza. Bienvenidos a un festin corrosivo ¿Cuan crudas las quieren?

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