Si la pluma vence a la espada, esta está envenada

Death note (2006-2007)

El anime como institución dentro de ese universo de la llamada animación japonesa, francamente, a demostrado tantos buenos ejemplos como residuos de la peor calaña. Por mi parte, consumí durante mucho tiempo de gran parte de el anime que pasaban por los canales de cable. Uno sentía cierta atracción al imaginario fantástico, a las historias épicas y por que no, a los dibujos que daban exagerada belleza a las muchachas. Pero un crece y lamentablemente termina desechando o dejando como algo nostálgico buena parte de aquello y la verdad termina en una posición compleja y muchísimo más selectiva. Eso me pasa mucho sobre todo con el anime actual.

Me cuesta encontrar una historia con la cual sentirme atraído y en un 80% tal vez no sea el mejor, pero a logrado entusiasmarme de nuevo por el genero. Claro, el anime con contenido maduro puede resultar chocante para aquellos que se acostumbran a los parámetros más grasas y frívolos del mismo, pero me importa poco realmente que pueda mover a la gente, y sí un buen guión y personajes que te impacten desde el primer momento. El caso de Death Note es eso y un poco más por suerte.

La historia nos coloca en los zapatos de Light Yagami, un estudiante prodigio, una mente brillante y con bastante antipatía hacia el entorno violento en que vive, que obtiene un cuaderno con poderes sobrenaturales llamado Death Note. Este cuaderno tiene el poder de matar a la persona si se escribe el nombre y se conoce el rostro del mismo, con varias reglas que el poseedor puede seguir para un uso más amplio. Estos cuadernos pertenecen a unas criaturas sobrenaturales llamadas Shinigamis, las cuales dejan caer estos cuadernos al mundo humano para que sean encontrados por algún individuo, el cual recibe no solo los beneficios del Death Note, sino del poder del Shinigami que le toque.
Yagami descubre el poder del cuaderno, y se posiciona como um paladín de la Justicia, utilizando el mismo para asesinar criminales. La cosa se pone interesante cuando el personaje es confrontado por la policía que al ver una serie de asesinatos en masa a criminales, se pone a investigar y intercede un renombrado detective desconocido, conocido como L, el cual confrontara a través de su gran razonamiento a igualmente virtuoso Yagami (conocido como Kira, o killer en japonés). Al punto, que Kira no solo asesina a los malvivientes, sino también a todo aquel quien se interponga en su camino de una sociedad utópica y justa.
La trama sigue conceptos interesantes con una estética bastante oscura y tétrica, donde se cruzan bastante la idea de justicia, el bien y el mal, la megalomanía, siempre manteniendo el suspenso como suerte de tira policial de contenido fantástico que es. Una cosa a criticar desde ya, es que lejos que fueron bastante inteligentes de no abusar con la duración de la serie. Más para el final, uno siente que parte de ese hilo al comienzo que vuelve la serie tan interesante, se tambalea y por ahí uno le deje de resultar interesante. Pero por suerte, la serie a nivel desarrollo gana por asalto por lo que en cierto modo, finalmente pide ser visto hasta el último capitulo. Buenos guiones, buena estética, buenas ideas y porque no, algo de originalidad falta mucho por estos tiempos en el mundillo del manga y el anime. Por suerte Death Note hace regresar mis esperanzas en la humanidad ¿Qué estas esperando para verla?

Opening




Datos serie

Voy camino a la Devo-lución

Devo - Q: Are we not men? A: We are Devo! (1978)


La bendita nueva ola (New Wave para los amigos) a esta altura fue uno de los ejemplos más penosos que dio la pasada década e los ochentas. Esta bien, hubo ejemplos excepcionales, como el caso de Talking Heads, pero eran los menos ante una movida musical que tomaba una preocupación en exceso por cuestiones estéticas, y traía consigo una música bastante accesible pero poco interesante para el deleite de los espectadores de la naciente MTV, llegando con suerte a tirar un hit para el deleite de sus espectadores.
Devo a su modo fue una de las fundadoras de esta suerte de movida, pero en algún punto suena a un agravio ponerlos al lado de grupos tan desechables como A Flock of Seagulls o Soft Cell. Lo suyo pasaba por llevar los estamentos estéticos a nuevos niveles de locura, y todo esto con un concepto que va desde el nombre (Devolution, un termino que ellos mismos patentaron y que habla de un retroceso socio cultural como producto de la sociedad industrial del momento) y un uniforme bastante particular. Una manifestación de principios.
Pero el debut de Devo es demasiado. Un grupo que tomaba el punk y la electrónica, y llevaba ese universo a dimensiones nunca antes vistas. Con la ayuda de un buen amigo de la avantgarde y la experimentación, Brian Eno, lograron uno de los debuts más sólidos del momento. Y si pensamos en aquel momento, nombres como Television, Joy División, Magazine, Cardiacs y otras luminarias lograban sacar al punk del eterno molde de los 3 acordes y la furia política, Devo llevo su imaginaria plástica a terrenos tan inaccesibles como fascinantes. Y cuidado, no digo que estos muchachos trajeran una propuesta complicada en lo musical, ya el comienzo con Uncontrollable Urge, nos enseñan un punk juguetón y jocoso que admite espacio para el gancho en base a esos incesantes yeah yeah yeahs que tiran de aquí para allá y algunos toques electrónicos. Pero como dije, el concepto lleva las cosas al borde la locura y en momentos la música es solo la banda de sonido para este carnaval de ironía y sinsentido de una sociedad aún más inentendible ¿Como puede entenderse el cover de los Rolling Stones, Satisfaction, transfigurada en una suerte de frío caminar sin esa lujuria y con ese feeling punk que ellos mismos supieron patentar?. Y ni hablar de las líricas, que llevan el humor al borde de lo inentendible, como lo muestran en la divertida y coreable Playing Hands, donde nos invitan a hacer movimientos de manos casi llevándonos al ridículo con una suerte de riff casi surfero que corona el tema. Space Junk te golpea de la mejor forma, con ese groove bien 80s, entre guitarras y sintetizadores atacando senilmente tu sistema nervioso. Pero ya la diversión se vuelve insoportable con la llegada de Mongoloid, un riff punky que se te pega como chicle y te voltea la cabeza. Jocko Homo se convierte en el tema raro del disco, una base electrónica antibolichera y el estribillo que pareciera que denuncian al mundo lo que hacen.
Y esa suerte de continuación electrónica que con el buen titulo de Too Much Paranoias, que crepita entre sonidos artificiales al borde de lo insoportable y la incesante voz de Gerald Casale (uno de los puntos más interesantes del disco, llevando su voz dentro de los limites de lo establecido con toda la gracia).
Pero si querían fuerza y violencia, denle la bienvenida a Gut Feeling, un crecendo que estalla en la segunda parte de la canción a la histérica y casi hardcore Slap your Mammy.
Come Back Jones aminora la marcha sin bajar linea, lejos de anticiparnos a la excitante Sloppy (I saw my baby getting), con un estribillo donde parecen jugar con el oyente en base a samples para dar espacio para volver a la marcha.
El final es con esa suerte de folk electro demencial llamado Shrivel-up que en cierta modo, es un excelente final para un disco lleno de sorpresas y humor.
Sorprende que con solo 35 minutos, Devo haya traído semejante disco y nos hada mover la patita incontrolablemente, sorprende más que hasta el día de hoy hayan sido tan injustamente subestimados teniendo tamaña obra. Por todo esto y más, yo te diría que busques urgente los 3 primeros discos de estos cabeza de cono. Material como este merece una oportunidad.

Video




Datos disco

Manual para el joven sicopata de hoy

Macabre - Sinister Slaughter (1993)

El death metal fue como el gran suceso del underground pesado. Le dio una nueva capa de renovación/extremidad que había aportado parte de la escena thrasher haya en los 80s con la aparición de grupos como Slayer y Possessed, llevando la violencia a nuevas dimensiones. Pero también estaba el Grindcore, aquel genero que ayudaron a fundar los británicos Napalm Death y su versión quirúrgica, Carcass, llevando la extremidad a nuevos limites, tomando como base el hardcore/punk más virulento. A la par, hubo un grupo de bandas que mamaron de parte de ese feeling iracundo y tuvieron la desgracia de no tener el reconocimiento de estas dos, como Repulsion, Terrorizer y en cierto modo, Macabre. Por otro lado, estos últimos sin ser necesariamente pioneros, dieron paso a un sonido bastante personal que estaba entre medio de el grind, el death y en algunos puntos el thrash, aderezado con un tremenda obsesión estética/lírica al mágico mundo de los asesinos seriales y dementes de toda clase y varios tufillos a la musica popular norteamericana en muchos casos.

Con Gloom (1989) mostraron su faceta más cercana al grindcore y con este, Sinister Slaughter, llegamos a su sonido definitivo. Por un lado nos encontramos conque la idea recae en riffs
tarareables, triple ataque vocal (entre voces agudas casi al punto de la afonía, gruñidos guturales y voces limpias), estribillos melódicos que rozan lo jodon muchas veces tomando mucho de ese sentimiento redneck que quieren trasmitir y ese negrísimo sentido del humor, todo en un delicioso plato donde se pone en cartelera a personajes tan simpáticos como Charles Manson, Albert Fish o el zodiaco entre tantos amigos de la gente. Y bueno, la ingeniosa tapa que en cierto modo tributa al Sgt. Pepper's de los beatles en versión killer.

Y si el comienzo con Night Stalker, dedicada al celebre Richard Ramirez no te pega de una, ve directo a Sniper in the sky, tirando ese memorable estribillo sin bajar la violencia y insania típica de ellos. Y si es poco, tenemos la más a medio tiempo Zodiac, donde se apega a típica mezcla entre aquel humor que ellos patentaron y esa buena dosis de pesadez. Pero si hay momentos destacados a rabiar son aquel break del tema Gacys lot o el piano en Vampire of Dussendorf que nos da la pauta del estribillo.
En si el disco no da tregua, y nos asegura lindos momentos de violencia y diversión por doquier. Claro, si te parecen un chiste no te hagas problema. Si no, he aquí una de las bandas más interesantes y personales que ha dado el metal extremo. Para no despreciar.



Video



Datos disco

Todo por 5 pesos

Les Luthiers - Lutherapia -Gran Rex - 25/7/09





Alguno dijo por ahí que no hay cosa más Argentina que el Bife de chorizo. Yo le diría que no hay cosa más Argentina que Les Luthiers.Más de 40 años sobre las tablas, además de un destello de personalidad único, lo confirman. A esta altura no se les pide que inventen nada siendo que ellos se inventaron y reinventaron desde hace tiempo.Y por su parte nuestra cita en el Gran Rex el pasado sábado fue todo un ejemplo de esto. Más viviendo aún en una generación que sigue viendo a personajes como Enrique Pinty o Corona como idolos y que se sigue identificando con el humor de gatos merqueros de los 80, hay que decir que estos virtuosos de la música y el humor son una brisa de aire fresco. En muchas formas, todo es un ritual que esta más alla del humor. Aquellos mágicos instrumentos salidos de una sacrílega mirada. Aquel lenguaje llena de doble sentidos que nos lleva a la inevitable carcajada, y aquella ironica visión de la vida del ser Argentina, lejos de cualquier viraje elitista. Por supuesto Lutherapia como la mayoría del repertorio de estos 5 magníficos, podrá ser considerado irrelevante para aquellos que se acostumbraron a gran parte del humor descartable del hoy por hoy. Aún así, dudo que ver a estos muchachos tocando instrumentos raros y tirando sus magias de ton a sol sea poco. Y esta bien, algunos destacan por sobre el resto (Marcos Mundstock y en momentos Daniel Ravinovich), pero el sentimiento de colapso ante la falta de alguno es inevitable. Por supuesto, el personaje conceptual Mastropiero sigue siendo de la partida y la mayoría de la historia lo tiene como base.
La historia es simple: Mundstock es un siquiatra que se encarga de analizar la problemática de Gutierrez, o Ravinovich para los amigos. De ahi en más se dan recortes donde se representan recuerdos o personajes citados por Daniel o Marcos, donde muchas veces todo cae en hilarantes momentos musicales. Destacable fue el duelo entre el Carlos Cortes con el piano y Moronna con ese singular aparato de pelotas con aire y el final con esa suerte de chacarera siempre buscando llegar lo mejor posible al exceso sin sonar vulgar.

¿Te gusta Les Luthiers? Lutherapia es Les Luthiers en estado puro, y si es poco, bueno, hay tanto para cambiar tu desvencijado rostro amigo, pero gente como esta hay una sola

Video

El apocalipsis en tres acordes

Integrity - Those who fear tomorrow (1991)

Hubo una vez un grupo de bandas de hardcore que se aburrieron de la típica cruza entre el hardcore y el thrash. Querían sonar pesadas sin necesidad de apelar a la típica estructura y cambios de ritmo de bandas como DRI y Cro mags por ejemplo, y aunque quedándose con cierto componente estético/ideológico de estos últimos. Sin embargo, hubo unos muchachitos en particular que apelaban a estos cambios, pero iban en contra de la corriente idiologica de las mismas. Estos jóvenes estaban liderados por un personaje muy particular, que tenia como ídolo a iconos de la cultura norteamericana como Charles Manson y era amante de la oscuridad de Joy división y varios proyectos oscuros/esotéricos como Merzbow y Boyd Rice, siempre apelando a una imaginaria apocalíptica que no ostentaban las bandas de su generación.
Hubo muchos rumores, desde que tomaban LSD hasta que el cantante pertenecía a un culto extraño (dato que a larga les recomiendo investiguen por ustedes mismos), pero lo importante que el debut de Integrity sonaba diferente, no buscaba los clichés barriobajeros, no hablaban de honor ni respeto ni familia, sino que escribian letras con sangre negra y total oscuridad. Pero por otra parte apelaban a climas más oscuros y porque no, también ponían solos de impronta slayeriana, de esos bastante básicos, brutales a toda velocidad.
Ya después de una intro, nos encontramos con canciones que apelan muchas veces a medio tiempos brutales, como la efusiva Micha:Those who fear tomorrow, que suena de preludio a la brutal patada de cara que es Diehard. Y en si el disco puede resultar monótono y aburrido si no estas en esto, pero si algo tiene este disco es variedad.
De ahí con temas como Descend into,,, ,una suerte de instrumental emotivo, el comienzo que termina en un maremoto brutal que es In contrast of sin o la letanía y oscuridad de Dawn of a new apocalypse, nos muestran que no todo son temas paleros y vueltas y venidas simplistas de 3 acordes.
Ya el final con March of the Damned nos da un buen ejemplo de cómo apelar al tipico Hardcore y salir bien parado.
Esta claro, que si no te gusta el Hardcore de importa más 90ventera, tal vez no te guste Integrity ni este disco en particular, pero si te guste el estilo y de paso buscas personalidad, tenes 14 buenas excusas para levantar el puño y moshear hasta morir.

Video



Datos banda

Las dos caras de la misma moneda

Peter Gabriel - 3(1980)



Crecer, algo que siempre es necesario en todo ser humano. Evolucionar, algo que es optativo de cada uno. En el caso de ese importante brecha entre los setentas y los ochentas, hubo una necesidad de esto último. El punk golpeó todo estamento musical alguna vez planteado a finales de los sesenta y durante gran parte de los setentas. Por lo cual, hacer rock progresivo, sicodélico y demás artilugios de impronta académica/virtuosa/excelsa, era algo opacado ante el genero contestario y minimalista por excelencia (que se entienda que en punk había gente capaz y talentosa, pero fue un quiebre en cuanto a los preceptos de la década de los setentas)y pocas bandas de dichas tendencias se mantenían de pie, o terminaban cambiando de genero a música mucho más radiable y comercial, como se vió en el caso de Genesis, Yes, Gentle Giant entre otros no muy notables ejemplos. Pero el caso de Peter Gabriel es bastante particular.
Había dejado a Genesis después de la gira de The Lamb Lies Down on Broadway en 1974 y se embarcó en una carrera solista de importante trascendencia.Ya para finales de los setentas, la necesidad de cambio repercusión en la cabeza de nuestro querido amigo y se volvió un cambio importante a terrenos más accesibles. Pero sin olvidar que Peter Gabriel fue la cara que le dio el carácter provocador y personal a Genesis con las mímicas y los exagerados disfraces, el muchacho quiso llevar las cosas a otro nivel, sabiendo las implicancias que conlleva, y ahora sin el delirio estético y si aportando algo de experimentación a las canciones.
Ya desde la tapa, el tercer disco de esta suerte de trilogía de discos sin nombre que Peter comenzó desde su debut en 1977, tiende una imagen que muestra por un lado el lado accesible y por el otro la experimentación, en canciones muchas veces oscuras, apelando a toda gama de sonidos que la magia de los sintetizadores logra regalarnos y un sonido de batería bastante particular, con la oportuna participación de Phil Collins (su ex compañero de banda) en algunos temas. Y eso es demasiado poco, ya que también se agregaron a la formula figuras de la talla como Robert Fripp y Tony Levin de King Crimson, y gente de bandas no menos trascendentes como de the jam, XTC y la señorita Kate bush. Por lo que el comienzo con Intruder, donde esa batería deja una marca siniestra sumada a una base de sintetizadores y cuerdas resquebrajadas, nos sumergen en un universo no muy lejano que el que nos regalaban los Residents, sino nos encontráramos con la particular voz de Gabriel en el camino y esos tribuneros coros que aparecen en parte del tema.
Ya con No self control, llegamos al Peter Gabriel más cancionero, con esa suerte de surtido entre sintetizadores y xilofono. Start funciona como intermedio con ese bello saxo que da preludio a la movedisa y casi diria bailable/movedisa I dont remember (Desde aca se nota las buenas ideas que tiene a la hora de hacer temas tarareables/hiteros y darle ideas más rebuscadas)
Y aparece la melancolica Family snapshot, mostrando que no todo son canciones alegres y jocosas.
Decae un poco con el tema An though the wire, pero es un descanso hasta la suerte de hit meloso ochentoso que es Games Whithout frontiers, entre coros cantados en Frances y un estribillo memorable.
Ya para el final llega el punto más interesante del álbum con Lead a normal life, un tema que me hace acordar a alguno de esos bellos temas que pudo a ver puesto Floyd o los mismos Genesis en sus discos para matizar entre temas tan complejos sin necesidad de demasiadas sutilezas con el sonido del xilofon y una atmosfera llena de sonidos de toda clase, que preceden a Biko, tal vez uno de los temas más recordados del disco en base a una intro con cánticos africanos y una suerte de percusión como base que prosigue a los cantos de Peter Gabriel , creando una canción epica que sale un poco de los parámetros del disco.
Que se entienda, que estas canciones son más que simples canciones radiables, son canciones bastante elaboradas que al mismo tiempo pueden sonar en cualquier FM y no harían la diferencia. Si escuchan este disco, posiblemente entiendan de lo que hablo, o no. Solo se necesita escuchar y encontrarse con las canciones. No necesitan nada más

Video




Datos disco

Prisionero de la realidad

The trial (1962)

Muchas veces ser adelantado a tu tiempo puede ser algo no muy agraciado, y más si hablamos del caso de Orson Welles, aquel personaje que llego a la fama gracias a su chocante trasmisión de radio teatro representando la obra de H.G Welles "La guerra de los mundos", que llevo a una suerte de paranoia colectiva.
Gracias a ese fenómeno, termino con la suficiente capacidad para trasladarse al mundillo del séptimo arte y logró su máximo opus, citizen kane (1941) logrando reconocimiento total de el medio y del público, además de un oscar. Aquel film marco el sello característico de Welles, en base a atmósferas y buen uso de recursos en pos de crear una poética y significación única.
Lamentablemente, sus otros trabajos terminaron sin pena ni gloria, aunque teniendo reconocimiento por parte del publico.
Pero en particular, el caso de the trial (1962) es muy particular. Por un lado, hablamos de una adaptación del libro de Kafka del mismo nombre (el proceso en su versión en español).
Por el otro, el imaginario de Welles lleva las cosas a lugares nunca antes vistos. La película lleva un clima denso, no recomendable para aquellos que no esten en un estado anímico/mental les recomiendo que pasen a otra cosa.
La historia es tan simple como compleja: Josef K (protagonizado por Anthony Perkins) es un oficinista que sufre la detención por un delito que desconoce y se le comunica del proceso en su contra. Toda la película sigue básicamente una lucha entre el personaje y la búsqueda de la verdad, que en cierto modo lo exonere de su culpabilidad. La sucesión de imágenes genera muchas preguntas sin respuestas, pero al mismo tiempo busca crear un clima de alienación único que genera reflexiones. Lo perturbador es que todo esto genera un clima que en cierto modo esta más cercano a un ideario surrealista del más pesadillesco llevado a la realidad y de por si la conclusión pareciera una critica de la sociedad industrial y las funciones de los hombres en la misma, la vana lucha del hombre por ser algo diferente en un medio sin significado y la necesidad de opresión en pos de la subsistencia, como en varios momentos donde los personajes muestran una conducta carente de sentido o expresión su conformismo a la situación, o el personaje de el abogado Hastler, encarado por el mismo Orson Welles, cuando utiliza la frase “Muchas veces es mejor ser encadenado que ser libre”.
The trial es un film difícil, donde no importa necesariamente lo que se ve sino lo que se siente, donde la reflexión es lo que busca contenido, y donde los personajes contribuyen a una realidad caótica no muy lejos del mundo que pertenecemos.
Y estará en uno comparar y decir si la novela le generó aquel mundo de asfixiante que tan verazmente soñó Kafka. Aún así, Orson Welles logra con un buen arsenal de ideas y sin irse de contexto, contar el declive de la civilización post modernista en este film, y eso es poco decir.

Trailer

Datos pelicula